Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 09.03.2010

Weill-Fest

Starke Frau singt Lieder ihres Lebens

Helen Schneider wird zum Finale gefeiert

Die größte Überraschung hatte sich das Dessauer Kurt-Weill-Fest in diesem Jahr zum Finale aufgespart - obwohl man die Interpretin des Abschlusskonzertes vor Ort nicht nur als Festival-Gast, sondern auch als Kuratoriums-Mitglied der Kurt-Weill-Gesellschaft seit langem kennt. Was aber würde Helen Schneider bei ihrem dritten Auftritt nach 2003 ("A Walk on the Weill Side") und 2006 ("Die sieben Todsünden") singen? Die Antwort war ebenso überraschend wie beglückend: Mit ihren wunderbar flexiblen Musikern Jo Ambros (Gitarre), Mini Schulz (Bass) und Marcel Gustke (Drums) nahm sie das Publikum im ausverkauften Anhaltischen Theater auf eine Lebensreise mit, die Weill eher atmosphärisch als konkret huldigte - wenngleich mit "My Ship" und dem "Mackie-Messer-Song" sowie mit "Lonely House" doch drei eigenwillige Interpretationen erklangen. Die "Seeräuber-Jenny" schließlich hatte in ihrer anarchischen Attitüde so viel Dampf, dass das Schiff auch ohne seine acht Segel in den Hafen gekommen wäre.

In den Mittelpunkt aber stellte die starke Frau mit dem schwarzen Pagenkopf Lieder, die sie mit Geschichten aus ihrer Kindheit und Jugend verknüpfte - mal innig zurückgenommen wie in "Only You", mal weit offen und verletzlich wie in "If loving you is wrong". Wie grandios sie sich solche fremden Originale anzuverwandeln weiß, zeigte sich nicht nur in dem perkussiv gehackten "Mad about you" von Sting oder in Bob Dylans "Just like a Woman", das sie ganz im Geiste des Meisters dekonstruierte. Auch der kritische Zugriff auf Cole Porters "My Heart belongs to Daddy" - dem man ja durchaus sexuelle Doppelbödigkeit unterstellen kann - und der anrührende Friedens-Appell mit "Bang the Drums" von Emmylou Harris zeigten Helen Schneider als Künstlerin, die eine Botschaft hat - und auch über alle Mittel verfügt, um sie zu verkünden.

Am Ende, nach ihren eigenen Karriere-Kickern "I want to be a Child again" und "Rock'n'Roll Gypsy", wurde es dann noch einmal sehr sentimental, als die große Stimme ein kleines Lied anstimmte: "Dream a little Dream of me". Wird gemacht!

Stefan Amzoll, Neues Deutschland/ Feuilleton

Heine heute

Oehring beim Kurt-Weill-Fest Dessau

Welch ein Novum: Die seit 1993 bestehenden Weill-Festspiele erteilen Aufträge. Viel früher hätte das passieren müssen. Zumal bei einem Namensgeber, dem die künstlerische Innovation geradezu eingeboren schien. Kurt Weill setzte sich vornehmlich in den Jahren der Weimarer Republik für Produktionen der neuen Musik ein und begleitete sie auch als Musikkritiker. Er selber erhielt und realisierte diverse Aufträge und gehörte seinerzeit zu den Protagonisten der Bewegung.

Michael Kaufmann, neuer Intendant des Weill-Fests, vergab Aufträge an die Komponisten Helmut Oehring und Moritz Eggert. Für die Eröffnung im Anhaltinischen Theater Dessau konnte außerdem das renommierte Ensemble Modern gewonnen werden. Mit sechs Choristen realisierte es Oehrings »Die Wunde Heine« in Verbindung mit Brecht/Weills »Songspiel Mahagonny«.

Oehring schuf mit der Dramaturgin und Regisseurin Stefanie Wördemann einen Gesamtabend. Szenisches, gedankliche Beziehungen, Spannungsbögen, wechselseitige Beleuchtungen setzten sich um, obwohl beide Werke getrennt liefen. Bildmaterial wurde fast durchgängig eingestreut, gelegentlich Geräusche/Klänge zugespielt. Der Abend hatte es in sich.

Weills »Mahagonny-Songspiel« kam als eine ins Dunkel getauchte kleine Inszenierung. Weit entfernt vom Aufwand der Oper, adressiert sie gezielt Posen und Haltungen. Sechs Sänger, zwei Damen, vier Herren, übersetzen gestisch, mimisch, was die Brecht-Verse erzählen: wie die Stadt Mahagonny entsteht und fällt. Und wodurch sie fällt. Weswegen sie so viel Geld und Dreck aufhäuft und so viel Elend schafft. Die Projektionen von Hagen Klennert geben der Szenerie zusätzliches Gewicht: Zeichnungen, Radierungen aus der Schattenwelt, Abbilder der Langeweile, des Abstiegs, der Hoffnungslosigkeit.

»Andere Zeiten, andere Vögel. Andere Vögel, andere Lieder.« Dieser projizierte Heine-Text trennt die zwei Werke und verbindet sie. Oehring knüpft an Mahagonny in eigener Sprache an. Auch »Die Wunde Heine« entrollt Lieder, Chöre, Ensembles, Losungen, schneidende Orchesterpartien. Periodisch tritt ein Rocker auf den Plan, reflektiert, zitiert, singt, schreit, opponiert zur E-Gitarre. Bezauberndes, Schlichtes ist Heines »Buch der Lieder« nachempfunden. Aber die Poesie entlädt sich, explodiert bisweilen. Das Werk reißt buchstäblich Wunden auf, nicht nur die Heinrich Heines, dessen schlimme Geschichte über Verse des Dichters des »Wintermärchens« erzählt wird.

Geschichte selbst kommt zum Sprechen. Zustände des Verreckens, Tötens, Vegetierens derer, welche die Gesellschaft aus ihrer Heiligkeit ausschließt. In Klänge, Töne gesetzt, Heine schreibend, in seiner Matratzengruft. Verse wie »Denk ich an Deutschland in der Nacht« ragen, besetzt mit neuem Sinn, in unsere Gegenwart hinein. Der Abend gibt ein Sittenbild. Eins, worin die Widersprüche bersten. »Die Wunde Heine« lässt aus sich heraus, was die Menschen heute tangiert oder tangieren müsste.

Oehring komponiert seit längerem Antwortmusiken auf vorhandene Stücke, die sich, wie er sagt, »in den Konzertbetrieb oder in die Herzen eingegraben haben«. Im Falle Heines verhalte er sich zum Thema Exil, deutsche Sprache und zum Thema, was macht Kunst, welche Verpflichtungen haben Künstler, welche Haltung. Vorrangig ist für ihn die »Verschmelzung von Poesie und Politik«. Was Weill etwa mit dem Jazz versucht hat, versuche er mit Rockmusik.

Ein großes Problem war die Vertonung der Heine-Gedichte. In welcher Besetzung und Diktion, wie begleitet. Das Chorsextett, das Oehring reich bedenkt, hat teils theatralische Funktion. Es übt sich in Gebärden, spricht am Boden liegend. In Reih und Glied aufgestellt, fungiert es als kommentierendes Organ. Der sophokleische Tragödienchor steht hier Modell. Wenn nötig befeuert mit aller Härte ein segmentierter, skandierter Sprechgesang die Szenerie. Oehring zitiert Songs aus der Hausbesetzerszene der 80er Jahre und streut sie so in die »Wunde Heine«, dass es schmerzt. Alte Hüte? Rio Reisers »Macht kaputt was euch kaputt macht« ist brennend aktuell. Auch hat der Komponist keine Scheu, einfach nur ein Lied zu komponieren. Eins, das man versteht.

Der Abend stellte klar: »Die Wunde Heine« ist nicht bloß eine Liedersammlung. Sie ist ein Requiem, eine Tragödie, die alle angeht. Blumen und viel Beifall in Dessau, einer ramponierten, langsam verlöschenden Stadt.

Pressemitteilung vom 08.03.2010

Berufsschüler des Anhaltischen Berufsschulzentrums „Hugo Junkers“ bauen Teile des Bühnenbilds für die Schauspielinszenierung „Des Teufels General“

Das Anhaltische Theater Dessau hat eine weitere Kooperation mit dem Berufsschulzentrum „Hugo Junkers“ Dessau-Roßlau geschlossen. In einem ersten Projekt bauten Schüler der Berufbildenden Schule II Teile für das Bühnenbild der Schauspielinszenierung „Des Teufels General“, die am 26. März auf der Großen Bühne des Anhaltischen Theaters Premiere hat.

Schüler der Klassen Farb- und Holztechnik, betreut durch ihre Fachlehrer Herr Thiem und Herr Grätz, bauten nach den Entwürfen des Bühnenbildners Toto einen Deckenventilator und gestalteten unter Anleitung der Theatermaler im Malsaal des Anhaltischen Theaters das Bodentuch für die Inszenierung.

Die Schüler konnten erfahren, welche speziellen Anforderungen es für den Dekorationsbau am Theater gibt, gewannen einen Einblick in die Arbeit des Theatermalers und erlebten, wie sich ihr Produkt in das Bühnenbild des Theaters und schließlich in die Inszenierung einfügt. Die Koordination des Projekts lag in den Händen von Herrn Richter (Leiter der Außenstelle Chaponstraße, Anhaltisches Berufsschulzentrum Dessau „Hugo Junkers“ und Imme Heiligendorff, Theaterpädagogin des Anhaltischen Theaters.

Im Vorfeld der Premiere werden die Schüler eine Probe besuchen und sich schließlich mit ihren Fachlehrern auch die Premiere anschauen. Am Mittwoch, d. 10. März um 10 Uhr präsentieren die Berufsschüler im Malsaal des Anhaltischen Theaters u.a. den angefertigten Deckenventilator im Beisein ihrer Fachlehrer, dem Bühnenbildner Toto, der Theaterpädagogin Imme Heiligendorff und dem Produktionsleiter Matthias Taska.

Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung/ Dessau-Roßlau, 03.03.2010

Ein leichtsinniger wie schwermütiger Abend

Theater bringt „Mein wildes Herz in deiner Ruh“ zum Weill-Fest.

Vom seltsamen Spiel der Liebe könnten sie mehr als nur ein Lied singen, die Claire und der George - wenn nur Joe zu finden wäre, ihr leicht derangierter und schwer desillusionierter Pianist. Als sie den Musiker schließlich hinter seiner Zeitung hervorgelockt haben, beginnen auch die Stimulanzien zu wirken: der Duft der Rose und der Geschmack des Champagners, die für einen Abend unter dem Motto „Mein wildes Herz in deiner Ruh“ so unerlässlich scheinen wie die Songs von Kurt Weill und Paul Dessau, Kurt Schwaen und Hanns Eisler.

Es war ein wunderbares Geschenk des Anhaltischen Theaters zum Kurt-Weill-Fest, das da am Sonntagabend erstmals über die Bauhaus-Bühne ging - ein ebenso leichtsinniger wie schwermütiger Abend, der vom Erreichen wie vom Verfehlen des zweisamen Glücks erzählte und dabei wie selbstverständlich die neue Allianz der Dessauer Kultur-Leuchttürme bekräftigte. In Matthieu Svetchine und Antje Weber hat der Dramaturg Holger Kuhla Protagonisten gefunden, denen die doppelte Travestie bestens zu Gesicht steht.

Da ist einerseits der sentimentale, nah am Wasser gebaute Kerl im Abendkleid, der die „Erinnerung an die Marie A.“ so hemmungslos zu schmachten weiß wie den „Surabaya-Johnny“. Und da steht andererseits eine scharf gescheitelte Dame mit Zylinder und Schnauzbart, die „Baals Lied“ und das „Wie man sich bettet“ als energische Widerrede gegen falsche Illusionen begreift. Daniel Carlberg steht den beiden Schauspielern, die ihre Masken im Laufe des Abends fallen lassen, mit den Liedern von der großen Kapitulation und von der belebenden Wirkung des Geldes treu zur Seite - und trägt sie als Pianist auf Händen durch ihre Songs.

Die Weisheit dieses Abends, der schon dank des bürgerlichen Teppichs auf dem Bauhaus-Boden wie ein kalkuliertes Sakrileg wirkt, liegt in dem rasanten Wechsel zwischen dem Rohen und dem Zarten: Dass dem Dichter Bertolt Brecht pornografische Texte wie „Sauna und Beischlaf“ ebenso selbstverständlich von der Hand gingen wie das wunderbare Gleichnis von den Kranichen, kann man beim Fest zu Ehren seines Komponisten-Kollegen Weill nicht oft genug betonen - schließlich war auch im Werk dieses Künstlers das Fleisch so wichtig wie der Geist.

Dass am Ende dieser klugen Revue über die trügerischen Emotionen ein Mond über der Stadt hing, wie er auch in Bilbao und Alabama nicht schöner zu haben ist, wirkte wie ein himmlischer Gruß an die irrenden Irdischen - „Es war das Schönste auf der Welt!“.

Dr. Kevin Clarke, http://magazin.klassik.com/konzerte/reviews.cfm?TASK=review, 06.03.2010

Dessau > Anhaltisches Theater - 05.03.2010 Amerikanischer Weill wird neu präsentiert > Ute Gfrerer als Titelheldin

'Speak Low When You Speak Love'

Soviel gleich vorweg: Kurt Weills Broadwaymusical 'One Touch of Venus', 1943 uraufgeführt mit Superstar Mary Martin als sexy Titelheldin (in einer Produktion von Hollywood-Legende Elia Kazan) war ein Riesenhit. Mehr noch, es war das erfolgreichste Musical Weills überhaupt, das es auf 567 En suite-Vorstellungen in New York brachte, anschließend mit Ava Gardner verfilmt wurde und einige der wunderbarsten Weill-Nummern überhaupt enthält: das verführerische 'Speak Low (When You Speak Love)', den rauschenden Walzer 'Foolish Heart', das freche 'I'm a Stranger Here Myself', die Comedy Nummern 'The Trouble with Women' und 'Way Out West (in Jersey)' und natürlich den bewegenden 'West Wind'. Ganz zu schweigen von zwei grandiosen Ballettsequenzen, die ursprünglich von Agnes de Mille choreographiert wurden, 'Forty Minutes for Lunch' über das betriebsame Chaos in Manhattan zur Mittagspausenzeit, in das Venus unverhofft stürzt, und 'Venus in Ozone Hights', wo der Titelheldin die Freuden des Unteren-Mittelklasse-Lebens nahe gebracht werden sollen – woraufhin sie sich verständlicherweise entschließt, doch lieber eine göttliche Statue zu bleiben.

Das Werk – mit einem Textbuch von S. J. Perelman und Ogden Nash, der auch die witzigen Liedtexte schrieb – spielt geschickt mit der bekannten Story der Statue, die zu neuem Leben erweckt wird (à la 'Schöne Galathée' bzw. 'Pygmalion') und mischt sie mit modernen Elementen à la ‚Sex and the City’. Während 'Venus' im anglo-amerikanischen Raum ein etablierter Klassiker ist, der regelmäßig gespielt wird (zuletzt u.a. bei Opera North in England), ist das Stück in Deutschland fast unbekannt, weil ja – laut herkömmlicher Meinung einiger angeblicher Fachleute – Weill sich nach dem Weggang aus Deutschland 1933 an den amerikanischen Kommerz verkauft habe und Musicals sowieso nichts taugten. Nun, die anglo-amerikanische Theaterwelt und Theater- bzw. Musikwissenschaft denkt da anders drüber (Gott sei Dank). Und erfreulicherweise die Intendanz des Anhaltischen Theaters Dessau auch, die 'One Touch of Venus' nun in Koproduktion mit dem Kurt-Weill-Fest der Stadt auf den Spielplan setzte. Soweit, so wunderbar.

Denn das Haus hat ein ausreichend großes Orchester, das man für Weills geniale Instrumentation braucht, es hat ein Ballett, was man für 'Venus' ebenfalls braucht. Und Dank der Unterstützung des Weill-Fests und der Weill Foundation konnten auch Gäste eingekauft werden für die Produktion, die ‚Erfahrung’ mit Musical und dem Stück haben. Darauf hatte, nebenbei bemerkt, die Weill Foundation in New York auch bestanden bei Vergabe der Aufführungsrechte. Es wurde sogar eine Repräsentantin nach Dessau geschickt, um die ‚Werktreue’ zu überprüfen.

High School Aufführung

Extrem unglücklicherweise sind durch die vielen Einschränkungen und Kontroll-Momente der Foundation in New York scheinbar alle innovativen Kräfte, die das Theater in Dessau sonst so schätzenswert machen, erlahmt. Und statt der famosen Hausregisseurin Andrea Moses, die kürzlich mit einem funkensprühenden 'Lohengrin' so beeindruckte, übergab man die Regie an Klaus Seiffert. Der ist zwar privat ein äußerst sympathischer Zeitgenosse, hat auch viel persönliche Erfahrung mit Musicals als Darsteller, aber seine Herangehensweise an die Kunstform ist – wirklich sehr zurückhaltend formuliert – derart bieder, dass diese kesse Geschlechterkomödie mit den vielen immer noch aktuellen Themen älter wirkt, als die 3000 Jahre alte ‚Anatolische Venus’, um die es geht. Das Bühnenbild wirkt, als wäre es Originalentwürfen von 1943 nachempfunden, ebenso die Kostüme. Nur: Was 1943 bei Mary Martin & Co. gut und schick aussah, das sieht hier einfallslos kopiert bei Ute Gfrerer als Venus und Angus Wood als Friseur Rodney Hatch aus. Von Glamour keine Spur. Kein Vergleich etwa mit Jerry Zaks’ Broadway-Neufassung von 'Guys and Dolls', die ebenfalls in einem 40er Jahre Ambiente spielen, aber das Vorbild auf viel brillantere Weise ins Heute übersetzen. So eine Übersetzung findet in Dessau nicht statt (Kostüme und Bühne: Imme Kachel), so dass die Produktion größtenteils aussieht wie eine High School Aufführung in Ozone Hights (um im Bezugsrahmen des Stücks zu bleiben). Das ist tragisch, weil dadurch viele der tollen Stellen des Stücks einfach im Leeren verpuffen: die Szenen, in denen es um Moderne Kunst geht, die Verbindung der antiken Welt der Götter (lächerlich banal umherhüpfend: das Ballettensemble des Anhaltischen Theaters in der Choreographie von Mario Mariano) mit den Gegenwart usw. usf. Nur einmal findet die Inszenierung zu wirklich packenden Bildern und Gesten, nämlich für die 'Ozone Hights'-Nummer, die ganz stilisiert getanzt wird – von den Studenten des Studiengangs Musical der Universität der Künste. Wenn die nicht gerade dazu verdonnert sind, dumm in der Gegend herum zu stehen (wie in der Eröffnungsszene), dann sind sie die eigentlichen Stars dieser Produktion, denn sie tanzen und singen so, wie ich das bei einem klassischen Broadwaymusical erwarte: mit Klasse und Leidenschaft und Witz und Sexappeal.

Schach matt

Wieso das Haus diese Studenten – von denen einige kürzlich den Bundeswettbewerb Gesang gewonnen haben – nicht für die Hauptrollen genommen hat, wo sie doch sowieso schon engagiert sind, ist mir ein Rätsel (Johanna Spantzel, Jörn Felix Alt, Maximilian Mann z.B. wären ein fabelhaftes Trio für 'Venus' gewesen). Immerhin: Haus-Heldenbariton Ulf Paulsen als Kunstsammler Whitelaw Savory schlägt sich wacker und mit Spaß an der Rolle, ist aber als Charakter nicht wirklich glaubhaft. Das gilt auch für den lyrischen Tenor Angus Wood aus Australien. Zwar produziert der etliche schöne Töne (besonders in 'Speak Low'), aber das Musicalidiom liegt ihm grundsätzlich nicht in der Stimme, stilistisch gesprochen. Ute Gfrerer als Venus trifft den Weill-Tonfall zwar in den musikalischen Nummern hervorragend (teils so, als sei sie eine 1:1 Kopie von Mary Martin), aber sie sieht in ihrer Kostümierung viel zu alt(backen) aus für einen antiken Vamp, dem die Männer reihenweise und seit Jahrtausenden zu Füßen liegen. Und sie ist viel zu steif. Das Verblüffende: Als ich Gfrerer nach der Vorstellung privat erlebte, erschrak ich, weil sie in Echt so viel besser aussieht und wie eine so viel quirligere Persönlichkeit hat als auf der Bühne in dieser Inszenierung. Wie konnte die Regie diese übersprudelnde Künstlerin nur derart Schach-matt setzen?

Immerhin war Gfrerer genauso wie der Dirigent der ausdrückliche Wunsch der Weill Foundation, die sonst die Aufführungsrechte nicht nach Dessau vergeben hätten. James Holmes ist der Mann, der 'Venus' bereits bei der (erfolgreichen) Opera North Produktion geleitet hat; insofern ist es verständlich, dass die Foundation ‚auf Nummer Sicher’ gehen und das Stück in erfahrene Hände legen wollte, wo Musicals in Deutschland gern unter Leitung von Dritten Kapellmeistern die schlimmsten aller Martertode erleiden. Aber: Holmes ist ganz sicher kein begnadeter Weill-Interpret. Man hört aus dem Orchestergaben fast nur Partykeller-artiges Schlagzeug, was auch schon bei den Opera North-Aufführungen der Fall war, also nichts mit dem Können des Orchesters in Dessau zu tun hat. Die brillanten Instrumentationsdetails, die wunderbar eingesetzten opulenten Streicher (hier auf ausdrücklichen Wunsch Holmes’ reduziert auf ein Minimum!), all das klingt in Dessau einfach billig. Jedenfalls weit entfernt vom polierten Weill Sound, den man beispielsweise auf der CD mit dem Original Broadway Cast hören kann, wo übrigens das Schlagwerk niemals (!) in den Vordergrund tritt.

Mehr Vertrauen

Dennoch großer Applaus vom Publikum, vermutlich auch, weil viele in Deutschland sich Musical als Kunstform genauso altbacken vorstellen, wie hier dargeboten, als Pendant zu André Rieu sozusagen. Dagegen ist nichts einzuwenden, und meine Begleitung an dem Abend in Dessau fand die Aufführung auch ‚sehr ansprechend’ (‚nur manchmal ein bisschen zäh’). Für mich war es eine vergeudete Chance, den ‚Amerikanischen Weill’ in Deutschland mit einem Splash neu zur Diskussion zu stellen und damit vielleicht auch fürs hiesige Repertoire neu zu gewinnen. Stattdessen wurden in Dessau nur alle Vorbehalte, die viele ohnehin schon gegen Broadwaymusicals haben, aufs schlimmste (und unnötigste) bestätigt. Leider. Vielleicht lohnt es, die Produktion nach Ablauf des Weill-Fests nochmals zu sehen, wenn Ulrike Mayer die Venus übernimmt, statt wie bei der Premiere eine schauspielerisch und stimmlich sehr präsente Privatsekretärin Molly Grant zu sein? Ab der dritten Vorstellung dirigiert auch Kapellmeister Daniel Carlberg, der schon 'Candide' schmissig präsentierte und somit Hoffnungen weckt, dass sein Weill besser klingen könnte, als der des Gastes aus England. Unbedingt erwähnt werden muss noch, dass es eine Darstellerin gab, die allen anderen die Show stahl und schlichtweg umwerfend war: Kristina Baran als Verlobte-des-Friseurs, Gloria Kramer. Wie sie diese blonde Zicke spielte, war es zum Schreien komisch, sie sang toll und war für mich die Entdeckung des Abends. Neben den Musicalstudenten D.h., in Dessau wäre durchaus das Potenzial vorhanden, um eine famose ‚Venus’ auf die Bühne zu stellen. Man hätte sich nur trauen müssen. Und die Kurt Weill Foundation hätte etwas mehr Vertrauen in die kreativen Eigenkräfte des Hauses haben sollen. Andrea Moses, bitte übernehmen Sie das nächste Mal!