Andreas Hillger, Die deutsche Bühne, 05/10

Broadway in Dessau

Das Dessauer Kurt-Weill-Fest in seinem letzten Jahr unter dem Intendanten Clernens Birnbaum begann mit Protesten gegen Sparpläne der Stadt gegenüber dem gerade mit neuer Mannschaft gestarteten Anhaltischen Theater. Und überzeugte dann künstlerisch vor allem mit Weills amerikanischem Stück "One Touch of Venus".

Als künstlerisches Motto hatte sich das Dessauer Kurt-Weill-Fest in diesem Jahr die Formel. „New Art is True Art" aus dem Musical "One Touch of Venus" entliehen, vor dem Festakt aber stand eine nicht minder brisante These im öffentlichen Raum: "Land braucht Stadt" hieß die Aktion, bei der es die Dessauer und ihre Gäste 20 Jahre nach der Wende wieder auf die Straße trieb aus Protest gegen die radikalen Kürzungen im kulturellen Bereich, die angesichts der kommunalen Finanznot auch in Sachsen-Anhalt drohen. Den unmittelbaren Anlass lieferte Oberbürgermeister Klemens Koschig mit seiner „Blut-und-Tränen“-Liste, die er kurz vor Beginn des Festivals veröffentlicht hatte. Dass der Generalintendant des Anhaltischen Theaters, André Bücker, auf die darin angedrohte Streichung von rund drei Millionen Euro allein beim städtischen Anteil seines Hauses nicht anders als mit Widerstand reagieren konnte, hätte dem Stadtoberhaupt klar sein müssen. Und welcher Termin wäre dafür besser geeignet gewesen als die überregional beachtete Fest-Eröffnung?

Dennoch brauchte das Fest nach diesem politisch gemeinten, aber nicht polemisch vorgetragenen Prolog einige Zeit, bis es zu sich selbst fand. Die Verstörung war auch der Tatsache geschuldet, dass der scheidende Intendant Clemens Birnbaum einen Artist in Residence verpflichtet hatte, der die vom Posaunisten Nils Landgren oder der Stimm-Artistin Salome Kammer in den vergangenen Jahren gewohnte Charme-Offensive verweigerte. Helmut Oehrings Songspiel "Die Wunde Heine", mit dessen Uraufführung der Komponist das Fest eröffnete, war vielmehr eine Kampfansage: Texte von Rio Reiser und Heinrich Heine standen hier im Kontrast zum Urbild des Genres, dem "Mahagonny-Songspiel" von Weill und Brecht. Die Lyrik dieser beiden Schmerzensmänner aber, die zu verschiedenen Zeiten am gleichen Land bis zur ironisch maskierten Verzweiflung gelitten hatten, wollte nicht recht zur zynischen Dollar- und Whisky-Pose der modernen Klassiker passen, obwohl sich das Ensemble Modern unter Frank Ollu eindeutig als Anwalt des neuen Werks verstand. Da half auch die szenische Klammer kaum, durch die Oehring seine Chöre und Solisten, seinen pochenden Jazz und seine expressive Linienführung mit dem "Mahagonny"Material verband: Die "Wunde Heine", die über das reine Adorno-Zitat hinaus wohl auch auf den Umgang mit dem Werk des Emigranten Weill verweisen wollte, blieb eine Behauptung -obwohl sie in ihrem Gestus den vorangegangenen Protest ästhetisch fortschrieb. Konzentrierter und damit ergreifender wirkte das Porträtkonzert, zu dem der Resident Oehring gegen Ende des Festivals ältere Arbeiten auf die Bauhausbühne brachte.

Als zweiter Erneuerungs-Versuch der Songspiel-Tradition war die "Bordellballade" annonciert, deren Auftragnehmer Franzobel als Librettist und Moritz Eggert als Komponist waren. Dieses Duo gab sich zunächst traditionsbewusster: An der Geschichte aus einem "Menschenhaus", in dem die Huren sich für Naturalien prostituieren, um dem kapitalistischen Kreislauf aus erotischer Wertschöpfung und erpresserischer Abschöpfung zu entkommen, hätte sicher auch Brecht seine Freude gehabt, zumal sie sich den von ihm als "Laxheit in Fragen geistigen Eigentums" gepflegten Parodie-Gestus zu eigen machte. Allerdings krankte die Koproduktion mit dem Theater Koblenz und der Neuköllner Oper an jenem Überbietungs-Ehrgeiz, mit dem Franzobel seinem Vorbild begegnete: Dort, wo Brecht stets die Balance zwischen dem Zarten und dem Harten zu halten wusste, ließ der Österreicher seinen Text eindeutig auf die pornografische Seite fallen, was den selbst ernannten "Bad Boy" Eggert in die Rolle des "Good Guy" drängte, der dem ermüdenden Text immerhin musikalisch Schärfe und Schmelz gab.

Während man über die Zukunftsfähigkeit des Songspiels also auch nach diesem Weill-Fest trefflich streiten kann, ist die Heimkehr des Amerikaners Weill - neben gefeierten Auftritten von Angelika Kirchschlager und Helen Schneider sowie den traditionellen Jazz- und Rockkonzerten - als eindeutiger Gewinn des Weil I-Festes 2010 zu verbuchen. Mit seinem Broadway-Erfolg "One Touch of Venus" bescherte das Anhaltische Theater dem Jahrgang ein Finale, auf das man vor Ort spätestens seit der verheerenden Wirkung des "Kuhhandels" gewartet hatte. Zehn Jahre nach diesem Desaster, mit dem der damalige Hausherr Johannes Felsenstein den Dessauer Kontakt zur New Yorker Kurt Weill Foundation for Music auf eine extreme Zerreißprobe gestellt hatte, wirkte die Inszenierung von Klaus Seiffert wie die überfällige Rehabilitation. Hier wurde nicht in eitler Selbstüberhebung aktualisiert und repariert, sondern mit jener konservatorischen Sorgfalt gearbeitet, die einem selten gespielten Werk erst den Weg ins Repertoire ebnen kann, was ja die vornehmste Aufgabe eines solchen Festivals zu sein hat. Dass die Ausstatterin Imme Kachel augenzwinkernde Verweise auf die Bauhaus-Meister platzierte, dass Mario Mariano den Chor und das Ballett des Anhaltischen Theaters zu tänzerischen Höchstleistungen trieb, dass Musical-Studenten der Berliner Universität der Künste das Ensemble verstärkten und dass man einen bemerkenswerten Solisten-Cast aus überwiegend hauseigenen Kräften präsentieren konnte - all dies sorgte für eine gefeierte Premiere, die beiläufig auch die Tauglichkeit des amerikanischen Weill-Oeuvres für ein deutsches Abonnenten-Publikum offenbarte. Unter der musikalischen Leitung von Daniel Carlberg stellte die Anhaltische Philharmonie zudem unter Beweis, dass eine fast 250-jährige Orchestertradition auch zu Ausflügen in ein Fach befähigen kann, dem man an vielen deutschen Stadttheatern noch immer mit Skepsis begegnet. Als augenzwinkernde Pointe durfte man schließlich registrieren, dass ausgerechnet eine Parabel auf den Umgang mit einer alten Götter-Statue für diese sorgfältige Vergegenwärtigung Weills in seiner Geburtsstadt sorgte. Ein schöneres Abschiedsgeschenk hätte Intendant Birnbaum, der demnächst sein erstes Händel-Fest in der Nachbarstadt Halle präsentieren wird, der Stadt kaum machen können.

Sein Dessauer Nachfolger Michael Kaufmann hat unterdessen bereits Einblicke in die Pläne für das Jahr 2011 gegeben. Sicher ist, dass mit dem Ensemble Modern erstmals ein Orchester den "Artist in Residence"-Status beanspruchen und zugleich den bis 2013 geplanten Themen-Triptychon Berlin-Paris-New York eröffnen darf. Das Anhaltische Theater wird sich - unter André Bückers Regie - mit einer Kombination aus dem "Bajazzo" und dem "Protagonist" beteiligen sowie ein Sinfoniekonzert unter Leitung von Generalmusikdirektor Antony Hermus zum Festival beisteuern. Als wichtige, nicht unumstrittene Neuerung gilt die Ausweitung des Zeitraums auf zwei Wochen, mit der Kaufmann das dicht gepackte Programm entzerren und mehr auswärtiges Publikum gewinnen möchte. Die größte Hoffnung setzt man allerdings auf 2013: Dann will man in Dessau eine Landesausstellung ausrichten, die dem berühmten Gropius-Motto "Kunst und Technik - eine neue Einheit" folgen und die lokalen Traditionen von Bauhaus und Junkers verbindend darstellen soll. Den Auftakt könnte Kurt Weill setzen - als Dritter im Bunde.

Manuel Brug, Die Welt, 13.03.2010

Weill-Fest Dessau: Die Liebesgöttin im Vorgarten

Zunächst wurde sie von der Mary Martin, Larry Hagmans Mutter am Broadway geboren.Das war 1943.Im (schlechten) Hollywood-Film spielte sie Ava Gardner. Und nun ist die Titelfigur von Kurt Weills erfolgreichsten Musical "One Touch of Venus" anlässlich des dortigen Weill-Festivals im Anhaltischen Theater Dessau gelandet.

Zunächst wurde sie von der Mary Martin, Larry Hagmans Mutter am Broadway geboren. Das war 1943. Im (schlechten) Hollywood-Film spielte sie Ava Gardner. Und nun ist die Titelfigur von Kurt Weills erfolgreichsten Musical "One Touch of Venus" anlässlich des dortigen Weill-Festivals im Anhaltischen Theater Dessau gelandet. Etwas altmodisch aufgerüscht, aber das geht schon wieder als liebevolle Broadway-Nostalgie durch. Obwohl doch gleich zu Anfang die Parole ausgegeben wird: "New Art is True Art".

Das freilich sieht die mit Argusaugen über die Werktreue wachende Weill-Foundation natürlich anders. So hat man dieser immerhin eine flotte neue Übersetzung untergeschmuggelt, die berühmten, längst ein Repertoireeigenleben führenden Songs wie "Speak low" oder "Folish Heart" blieben sprachlich unangetastet. Regisseur Klaus Seiffert belässt die nette Geschichte vom Kunstsammler, dessen Venusstatue lebendig wird und sich musiktheaterüblich ausgerechnet in einen Figaro verliebt, im Zeitgeist ihres Geburtsjahrs. Da tuffen sich blonde Löckchen auf den Damenköpfen, wird klickerig gesteppt (Choreografie: Mario Mariano) und glitzert es immer wieder verschämt in sonst strengen Bauhaus-Ambiente der Drehbühne, wo Imme Kachel, Kunstsalon, Frisörstudio und Gefängnis rotieren lässt. Die verliebte Venus (ein wenig gipsern: Ute Gfrerer) glaubt allen Ernstes, sie könnte sich als irdisches, wenn auch noch nicht desperates Housewife in einen US-Vorgarten verpflanzen lassen, und noch dazu mit einem hübsch armlosen, ihr endlich mal keinen heldenmäßigen Ärger machenden Coiffeur (den Angus Wood ebenfalls hübsch harmlos gibt). In einer von diversen großformatigen Balletteinlagen holen sie freilich die bocksbeinigen wie flügelhelmigen himmlischen Heerscharen heim auf den Olymp. Am schwer gefährdeten Dessau Theater wird für Weill groß aufgefahren. Das Orchester unter James Holmes macht ordentlich Dampf, die knackigen Chargen wie Ulf Paulsens bilderverrückter Millionär, seine patente Sekretärin Ulrike Mayer und Rodneys kreischige Verlobte Kristina Baran legen sich kess ins Zeug. So verbreitet diese ansehnliche "Venus" mehr als nur einen Hauch Musical. Beim nächsten Weill-Fest soll es mit der "Der Protagonist" wieder klassenkämpferischer zugehen. Und dann ist der französische Exil-Kurt dran.

Termine: 13., 19. März, 8. April; Karten: (0340) 25 11 333

Helmut Rohm, Volksstimme, 09.03.2010

Kurt-Weill-Musical begeistert am Anhaltischen Theater Dessau

Ein Hauch von Venus und mehr als nur ein Hauch von Broadway

Dessau-Roßlau. Weit mehr als nur einen Hauch von Broadway bringt " One Touch of Venus " ( Ein Hauch von Venus ) auf die Bühne des Anhaltischen Theaters Dessau. Die Inszenierung des lange nicht in Deutschland aufgeführten erfolgreichsten Broadway-Musicals von Kurt Weill ( Buch Sidney Joseph Perelman und Ogden Nash, Uraufführung 1943 ) war wohl der Höhepunkt des 18. Kurt-Weill-Festivals. Wie die Premiere am Freitag war auch die zweite Aufführung am Sonnabend ausverkauft.

Eine mehr unbedachte Handlung des Friseurs Rodney Hatch löst eine turbulente Geschichte aus. Er steckt den Verlobungsring, der eigentlich seiner Gloria gebührt, einer Statue auf den Finger. Donner, Lichteffekte, Zauber : Die Statue erwacht zum Leben. Es ist die über 3000 Jahre alte, aus Anatolien stammende Figur der Venus. Göttliche Verhaltensauffassungen von vor Jahrtausenden treffen auf die facettenreichen der Heutezeit ...

Die Dessauer Aufführung in Kooperation des Anhaltischen Theaters und des Kurt-Weill-Festes, gefördert von der Kurt Weill Foundation for Music New York, wurde von Klaus Seiffert inszeniert.

Kurzweilig und unterhaltend

Gewiss ist " One Touch of Venus " zeitkritisch, geißelt mit satirisch-humorvollen Blicken kleinbürgerliche Lebensweisen ebenso wie überhebliche Großspurigkeit. Das Musical ist aber vor allem ungemein kurzweilig und unterhaltend. Ein tragendes Moment ist Weills Musik in ihrer verblüffenden Vielfalt. Das Publikum war vom ersten Ton des Vorspiels an fasziniert in deren Bann gezogen.

Die Anhaltische Philharmonie unter der Leitung von James Holmes präsentiert die motivreichen und auf Tanzrhythmen der 1920 er Jahre basierenden Melodien mit scheinbar spielerischer Leichtigkeit und vielen effektvollen Nuancen.

Songtexte und Kompositionen wie Swing, Tango, Rumba, Boogie, auch Walzer verschmolzen ausdrucksstark miteinander. Überhaupt ist ein stimmiges Miteinander im Ensemble insgesamt wohl das Geheimnis des Dessauer Erfolges. Die Anhaltische Philharmonie, die Gesangssolisten, der Dessauer Opernchor, teils auch mit solistischen Partien und die Dessauer Ballettcompagnie gestalten dieses Musical in begeisternder Broadway-Manier. Unterstützt werden sie von Gastsolisten sowie Studenten der Universität der Künste Berlin. Die ideenreich genutzte, vielfältige Bühnentechnik ( Bühne und Kostüme Imme Kachel ) ermöglicht wahre Showacts.

Angus Wood ( Hatch ) in seiner liebevollen Unbedarftheit und Ute Gfrerer ( Venus ) mit göttlicher Bestimmtheit, beide mit letztendlich trennenden Liebesauffassungen, sind fantastisch in Spiel und Gesang. Nicht minder souverän, als Figur zwischen geckenhaft und machtverliebt, brilliert Ulf Paulsen als Kunstsammler und Millionär Whitelaw Savory. Ihm zur Seite, mehr mit souveränem Durchblick, agiert Ulrike Mayer als Savorys Sekretärin.

Überhaupt treten viele verschiedene, trefflich gezeichnete Charaktere auf. Die knapp 20 einfühlsamen Songs lassen die Gäste am Gefühlsleben der Akteure Anteil nehmen. Darunter das dem Kurt-Weill-Fest 2010 das Motto gebende " New Art is True Art " sowie das zum Hit gewordene " Speak Low ".

" One Touch of Venus " wird im Spielplan des Anhaltischen Theaters bleiben. Die Rolle der Venus übernimmt Ulrike Mayer. Am Pult der Anhaltischen Philharmonie Dessau wird deren stellvertretender GMD Daniel Carlberg stehen.

Die nächsten Aufführungen sind am dem 13. März um 17 Uhr und am 19. März um 19. 30 Uhr.

Antje Rohm, Volksstimme, 08.03.2010

9222 Besucher im 18. Jahrgang

Kurt-Weill-Fest wird ab 2011 zwei Wochen lang

Dessau-Roßlau. Das 18. Kurt-Weill-Fest in Dessau-Roßlau ist gestern Abend mit dem ausverkauften Konzert von Helen Schneider zu Ende gegangen. 9222 Besucher, das entspricht einer Auslastung von 88 Prozent, haben die 44 Veranstaltungen seit dem 26. Februar besucht, ähnlich viele wie im vergangenen Jahr. " Wichtiger ist jedoch, dass das Publikum unser doch sehr ambitioniertes Programm angenommen hat ", sagte gestern Thomas Markworth, Präsident der Kurt-Weill-Gesellschaft.

Mit den Uraufführungen der beiden Auftragskompositionen " Die WUNDE Heine " von Helmut Oehring und " Bordellballade. Ein Dreigoscherlnstück " von Moritz Eggert und Franzobel schlug das Festival den Bogen in die Gegenwart.

Weiterer Höhepunkt war die Premiere von Weills Broadway-Musical " One Touch of Venus " am Anhaltischen Theater Dessau. Für Michael Kaufmann, Intendant des Kurt-Weill-Festes, ist diese " sensationelle Produktion " auch eine " hervorragende Grundlage " für den zukünftigen Kontakt mit der Kurt Weill Foundation for Music, New York.

Im ersten Jahr seiner Intendanz begleitete Michael Kaufmann ein Programm seines Vorgängers Clemens Birnbaum. Kaufmann selbst möchte in den kommenden drei Jahren mit dem Festival eine Exkursion zu den drei Lebens- und Arbeitsstationen des Komponisten Weill, Berlin, Paris und New York, unternehmen.

Das Kurt-Weill-Fest 2011, dann erstmals zwei Wochen lang, steht unter dem Thema " Berlin im Licht ". Eröffnet wird das Festival mit einem Doppelabend mit Weills Oper " Der Protagonist " und Leoncavallos " Bajazzo ". Artist-in-Residence wird das Ensemble Modern.

Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 09.03.2010

Weill-Fest

Starke Frau singt Lieder ihres Lebens

Helen Schneider wird zum Finale gefeiert

Die größte Überraschung hatte sich das Dessauer Kurt-Weill-Fest in diesem Jahr zum Finale aufgespart - obwohl man die Interpretin des Abschlusskonzertes vor Ort nicht nur als Festival-Gast, sondern auch als Kuratoriums-Mitglied der Kurt-Weill-Gesellschaft seit langem kennt. Was aber würde Helen Schneider bei ihrem dritten Auftritt nach 2003 ("A Walk on the Weill Side") und 2006 ("Die sieben Todsünden") singen? Die Antwort war ebenso überraschend wie beglückend: Mit ihren wunderbar flexiblen Musikern Jo Ambros (Gitarre), Mini Schulz (Bass) und Marcel Gustke (Drums) nahm sie das Publikum im ausverkauften Anhaltischen Theater auf eine Lebensreise mit, die Weill eher atmosphärisch als konkret huldigte - wenngleich mit "My Ship" und dem "Mackie-Messer-Song" sowie mit "Lonely House" doch drei eigenwillige Interpretationen erklangen. Die "Seeräuber-Jenny" schließlich hatte in ihrer anarchischen Attitüde so viel Dampf, dass das Schiff auch ohne seine acht Segel in den Hafen gekommen wäre.

In den Mittelpunkt aber stellte die starke Frau mit dem schwarzen Pagenkopf Lieder, die sie mit Geschichten aus ihrer Kindheit und Jugend verknüpfte - mal innig zurückgenommen wie in "Only You", mal weit offen und verletzlich wie in "If loving you is wrong". Wie grandios sie sich solche fremden Originale anzuverwandeln weiß, zeigte sich nicht nur in dem perkussiv gehackten "Mad about you" von Sting oder in Bob Dylans "Just like a Woman", das sie ganz im Geiste des Meisters dekonstruierte. Auch der kritische Zugriff auf Cole Porters "My Heart belongs to Daddy" - dem man ja durchaus sexuelle Doppelbödigkeit unterstellen kann - und der anrührende Friedens-Appell mit "Bang the Drums" von Emmylou Harris zeigten Helen Schneider als Künstlerin, die eine Botschaft hat - und auch über alle Mittel verfügt, um sie zu verkünden.

Am Ende, nach ihren eigenen Karriere-Kickern "I want to be a Child again" und "Rock'n'Roll Gypsy", wurde es dann noch einmal sehr sentimental, als die große Stimme ein kleines Lied anstimmte: "Dream a little Dream of me". Wird gemacht!

Stefan Amzoll, Neues Deutschland/ Feuilleton

Heine heute

Oehring beim Kurt-Weill-Fest Dessau

Welch ein Novum: Die seit 1993 bestehenden Weill-Festspiele erteilen Aufträge. Viel früher hätte das passieren müssen. Zumal bei einem Namensgeber, dem die künstlerische Innovation geradezu eingeboren schien. Kurt Weill setzte sich vornehmlich in den Jahren der Weimarer Republik für Produktionen der neuen Musik ein und begleitete sie auch als Musikkritiker. Er selber erhielt und realisierte diverse Aufträge und gehörte seinerzeit zu den Protagonisten der Bewegung.

Michael Kaufmann, neuer Intendant des Weill-Fests, vergab Aufträge an die Komponisten Helmut Oehring und Moritz Eggert. Für die Eröffnung im Anhaltinischen Theater Dessau konnte außerdem das renommierte Ensemble Modern gewonnen werden. Mit sechs Choristen realisierte es Oehrings »Die Wunde Heine« in Verbindung mit Brecht/Weills »Songspiel Mahagonny«.

Oehring schuf mit der Dramaturgin und Regisseurin Stefanie Wördemann einen Gesamtabend. Szenisches, gedankliche Beziehungen, Spannungsbögen, wechselseitige Beleuchtungen setzten sich um, obwohl beide Werke getrennt liefen. Bildmaterial wurde fast durchgängig eingestreut, gelegentlich Geräusche/Klänge zugespielt. Der Abend hatte es in sich.

Weills »Mahagonny-Songspiel« kam als eine ins Dunkel getauchte kleine Inszenierung. Weit entfernt vom Aufwand der Oper, adressiert sie gezielt Posen und Haltungen. Sechs Sänger, zwei Damen, vier Herren, übersetzen gestisch, mimisch, was die Brecht-Verse erzählen: wie die Stadt Mahagonny entsteht und fällt. Und wodurch sie fällt. Weswegen sie so viel Geld und Dreck aufhäuft und so viel Elend schafft. Die Projektionen von Hagen Klennert geben der Szenerie zusätzliches Gewicht: Zeichnungen, Radierungen aus der Schattenwelt, Abbilder der Langeweile, des Abstiegs, der Hoffnungslosigkeit.

»Andere Zeiten, andere Vögel. Andere Vögel, andere Lieder.« Dieser projizierte Heine-Text trennt die zwei Werke und verbindet sie. Oehring knüpft an Mahagonny in eigener Sprache an. Auch »Die Wunde Heine« entrollt Lieder, Chöre, Ensembles, Losungen, schneidende Orchesterpartien. Periodisch tritt ein Rocker auf den Plan, reflektiert, zitiert, singt, schreit, opponiert zur E-Gitarre. Bezauberndes, Schlichtes ist Heines »Buch der Lieder« nachempfunden. Aber die Poesie entlädt sich, explodiert bisweilen. Das Werk reißt buchstäblich Wunden auf, nicht nur die Heinrich Heines, dessen schlimme Geschichte über Verse des Dichters des »Wintermärchens« erzählt wird.

Geschichte selbst kommt zum Sprechen. Zustände des Verreckens, Tötens, Vegetierens derer, welche die Gesellschaft aus ihrer Heiligkeit ausschließt. In Klänge, Töne gesetzt, Heine schreibend, in seiner Matratzengruft. Verse wie »Denk ich an Deutschland in der Nacht« ragen, besetzt mit neuem Sinn, in unsere Gegenwart hinein. Der Abend gibt ein Sittenbild. Eins, worin die Widersprüche bersten. »Die Wunde Heine« lässt aus sich heraus, was die Menschen heute tangiert oder tangieren müsste.

Oehring komponiert seit längerem Antwortmusiken auf vorhandene Stücke, die sich, wie er sagt, »in den Konzertbetrieb oder in die Herzen eingegraben haben«. Im Falle Heines verhalte er sich zum Thema Exil, deutsche Sprache und zum Thema, was macht Kunst, welche Verpflichtungen haben Künstler, welche Haltung. Vorrangig ist für ihn die »Verschmelzung von Poesie und Politik«. Was Weill etwa mit dem Jazz versucht hat, versuche er mit Rockmusik.

Ein großes Problem war die Vertonung der Heine-Gedichte. In welcher Besetzung und Diktion, wie begleitet. Das Chorsextett, das Oehring reich bedenkt, hat teils theatralische Funktion. Es übt sich in Gebärden, spricht am Boden liegend. In Reih und Glied aufgestellt, fungiert es als kommentierendes Organ. Der sophokleische Tragödienchor steht hier Modell. Wenn nötig befeuert mit aller Härte ein segmentierter, skandierter Sprechgesang die Szenerie. Oehring zitiert Songs aus der Hausbesetzerszene der 80er Jahre und streut sie so in die »Wunde Heine«, dass es schmerzt. Alte Hüte? Rio Reisers »Macht kaputt was euch kaputt macht« ist brennend aktuell. Auch hat der Komponist keine Scheu, einfach nur ein Lied zu komponieren. Eins, das man versteht.

Der Abend stellte klar: »Die Wunde Heine« ist nicht bloß eine Liedersammlung. Sie ist ein Requiem, eine Tragödie, die alle angeht. Blumen und viel Beifall in Dessau, einer ramponierten, langsam verlöschenden Stadt.

Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung/ Dessau-Roßlau, 03.03.2010

Ein leichtsinniger wie schwermütiger Abend

Theater bringt „Mein wildes Herz in deiner Ruh“ zum Weill-Fest.

Vom seltsamen Spiel der Liebe könnten sie mehr als nur ein Lied singen, die Claire und der George - wenn nur Joe zu finden wäre, ihr leicht derangierter und schwer desillusionierter Pianist. Als sie den Musiker schließlich hinter seiner Zeitung hervorgelockt haben, beginnen auch die Stimulanzien zu wirken: der Duft der Rose und der Geschmack des Champagners, die für einen Abend unter dem Motto „Mein wildes Herz in deiner Ruh“ so unerlässlich scheinen wie die Songs von Kurt Weill und Paul Dessau, Kurt Schwaen und Hanns Eisler.

Es war ein wunderbares Geschenk des Anhaltischen Theaters zum Kurt-Weill-Fest, das da am Sonntagabend erstmals über die Bauhaus-Bühne ging - ein ebenso leichtsinniger wie schwermütiger Abend, der vom Erreichen wie vom Verfehlen des zweisamen Glücks erzählte und dabei wie selbstverständlich die neue Allianz der Dessauer Kultur-Leuchttürme bekräftigte. In Matthieu Svetchine und Antje Weber hat der Dramaturg Holger Kuhla Protagonisten gefunden, denen die doppelte Travestie bestens zu Gesicht steht.

Da ist einerseits der sentimentale, nah am Wasser gebaute Kerl im Abendkleid, der die „Erinnerung an die Marie A.“ so hemmungslos zu schmachten weiß wie den „Surabaya-Johnny“. Und da steht andererseits eine scharf gescheitelte Dame mit Zylinder und Schnauzbart, die „Baals Lied“ und das „Wie man sich bettet“ als energische Widerrede gegen falsche Illusionen begreift. Daniel Carlberg steht den beiden Schauspielern, die ihre Masken im Laufe des Abends fallen lassen, mit den Liedern von der großen Kapitulation und von der belebenden Wirkung des Geldes treu zur Seite - und trägt sie als Pianist auf Händen durch ihre Songs.

Die Weisheit dieses Abends, der schon dank des bürgerlichen Teppichs auf dem Bauhaus-Boden wie ein kalkuliertes Sakrileg wirkt, liegt in dem rasanten Wechsel zwischen dem Rohen und dem Zarten: Dass dem Dichter Bertolt Brecht pornografische Texte wie „Sauna und Beischlaf“ ebenso selbstverständlich von der Hand gingen wie das wunderbare Gleichnis von den Kranichen, kann man beim Fest zu Ehren seines Komponisten-Kollegen Weill nicht oft genug betonen - schließlich war auch im Werk dieses Künstlers das Fleisch so wichtig wie der Geist.

Dass am Ende dieser klugen Revue über die trügerischen Emotionen ein Mond über der Stadt hing, wie er auch in Bilbao und Alabama nicht schöner zu haben ist, wirkte wie ein himmlischer Gruß an die irrenden Irdischen - „Es war das Schönste auf der Welt!“.

Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 06.03.2010

Angebot und Nachfrage in Sachen Fleischeslust

«Die Bordellballade» wird beim Kurt-Weill-Fest uraufgeführt

Was tun, wenn sich nichts mehr tut? Wenn die Kunden im "Menschenhaus" ausbleiben, weil ihnen das Geld für den Sex fehlt - und wenn gleichzeitig der Schutzgeld-Erpresser seinen Obolus fordert? Die "Bordellballade", mit der sich der Komponist Moritz Eggert und sein Librettist Franzobel jetzt an der auftragsgemäßen Songspiel-Erneuerung des Dessauer Kurt-Weill-Festes beteiligten, spielt in einer postkapitalistischen Situation "jenseits aller Grenzen" und übersetzt den Traum von der Abschaffung des Geldes in eine pornografisch getönte Satire.

Es ist ein echter Kraftakt, den das Festival da geleistet hat - gefördert von der Kunststiftung Sachsen-Anhalt und der Kulturstiftung des Bundes, koproduziert mit dem Theater Koblenz und der Neuköllner Oper Berlin. Warum sich das Uraufführungs-Team bei der Premiere im Bauhaus neben viel Applaus aber auch kräftige Buh-Rufe abholen musste, lag auf der Hand: Die drastischen sexuellen Vokabeln, die Bertolt Brecht seinerzeit wohl dosiert einsetzte, werden von Franzobel in einer Art Überbietungs-Dramaturgie bis zur Abstumpfung benutzt. Dass dabei auch die lebensklugen und dezenteren unter den 21 Songs Kollateralschaden erleiden, ist bedauerlich - wird aber in Robert Lehmeiers Regie mit Szenen der Gewalt und Demütigung noch verstärkt.

Märsche fahren in die Parade

Nun könnte man einwenden, dass man in einem Bordell-Ambiente nichts anderes erwarten darf - wenn denn der Abend irgendeinen realen Bezug zu diesem Milieu herstellen würde. Aber da Dirk Steffen Göpferts Bühnenbild eher an einen Aufenthaltsraum mit Hochregal und verhängter Fensterfront erinnert, in dem nur ein Mikrofon von der letzten Karaoke-Show einen armseligen Rest Unterhaltung verspricht, bleibt auch das Metier der drei Damen Rosl, Ferkel und Zuckergoscherl bloße Behauptung. Hier war noch nie was zu holen, weshalb selbst der jovial-brutale Erpresser Kirschgarten und sein Handlanger Bussibär offenbar ihren Beruf verfehlt haben. Einzig die Liebe des Fleischers Alfred, die einerseits unbeantwortet und andererseits ungefragt daherkommt, stiftet ein glaubhaftes Motiv.

Und auf musikalischer Ebene gelingt auch die Verführung: Unter der Leitung des Pianisten Arno Waschk präsentiert die kleine Kapelle Eggerts feine, auch der heiklen Akustik bestens angemessene Partitur. Da gibt es kammermusikalische Finessen, da fahren Märsche in die Parade - und immer wieder fühlt man sich tatsächlich an das große Vorbild erinnert, das viel kleiner daherkam. Gesungen wird zudem auf erfreulichem Niveau, wobei Claudia Felke mit ihrem kunstvoll patinierten Opern-Timbre und Adrian Becker mit seiner austrainierten Musical-Stimme die Bandbreite markieren, in die sich Marcel Hoffmann, Dorothee Lochner, Isabel Mascarenhas und Matthias Schaletzky einreihen.

Nimm die Pfeife aus dem Maul

Und wenn man genau hinhört, dann entdeckt man auch zwischen Franzobels Kraftmeiereien immer wieder Verweise auf Brechts unerreichten Ton: Da wird aus dem "Nimm doch die Pfeife aus dem Maul, du Hund" des Surabaya-Johnny das "Na, steck' die Zigarette wieder ein" der Rosl. Da singen die Verbrecher ein Duett vom "Goldenen Handwerk", durch dessen Zeilen ihr berühmter Vorgänger Mackie Messer flaniert. Und auch die Erkenntnis von den sich drehenden Zeiten hätte dem Dialektiker wohl gut gefallen - ebenso wie die finale Verbeugung vor seinem "Denn wovon lebt der Mensch?". Eine Antwort auf diese Frage blieb "Die Bordellballade" schuldig.

Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 08.03.2010

Liebesgrüße aus dem Olymp

Anhaltisches Theater in Dessau-Roßlau bietet mit «One Touch of Venus» eine glanzvolle Musical-Inszenierung

Es ist ein Museum, in dem man lauter gute Bekannte trifft - und darunter sogar ein paar alte Dessauer: Neben Picasso und Miró nämlich dienen auch die Bauhäusler Klee und Kandinsky dem Kunstsammler Whitelaw Savory zum Beweis seiner These "New Art is True Art", die er der Jugend mit agitatorischer Ungeduld eintrichtern will. Dass er in das Zentrum seiner Sammlung dann aber doch eine 3 000 Jahre alte Statue stellt, dient weniger der Wahrheitsfindung als der Nostalgie: Sie erinnert ihn an eine verlorene Liebe, der ein Hauch von Venus anhaftete.

Überfällige Punktlandung

Es war eine längst überfällige Punktlandung, die das Anhaltische Theater dem Kurt-Weill-Fest in diesem Jahr bescherte: Mit dem 1943 uraufgeführten Broadway-Musical "One Touch of Venus" kam Weills erfolgreichstes amerikanisches Stück endlich in seiner Geburtsstadt an - und wurde mit jener konservatorischen Sorgfalt behandelt, die sich die New Yorker Weill-Foundation für das Erbe des Meisters wünscht. Dass ausgerechnet dieses Stück über weite Strecken in einer Galerie der klassischen Moderne spielt und auch den respektlosen Umgang mit unersetzlichem Kunstgut zeigt - wer wollte das nicht als versteckten Kommentar auf Diskussionen verstehen, die vor Ort lange geführt wurden? Nun aber stecken Regisseur Klaus Seiffert und Dirigent James Holmes der Weill-Statue den Ring auf den Finger - und sie erwacht zum Leben!

Genau so weckt der Friseur Rodney Hatch die Göttin der Liebe aus ihrem Marmor-Schlaf - und holt sich damit einen Plagegeist von olympischer Hartnäckigkeit auf den Hals. Nicht nur seine Verlobte Gloria, für die das Schmuckstück eigentlich bestimmt war, wird durch die Begegnung mit dieser Extremistin des Begehrens zeitweise außer Gefecht gesetzt. Auch dem Sammler Savory und Hatch selbst drohen von einer anatolischen Untergrundorganisation tödliche Konsequenzen .

Natürlich ist diese "Pygmalion"-Adaption in ihren Dialogen gelegentlich von rührender Harmlosigkeit, der Gipfel des Frivolen bleibt der Vergleich zwischen einer schluchzenden Geige und einer quietschenden Bettfeder. Und so tut Ausstatterin Imme Kachel gut daran, den Zeitgeist zu beschwören: Im New-Style-Dekor des Greyhound-Busbahnhofs und des Bloomingdale's-Kaufhauses begegnen sich Eisverkäufer und Ladenmädchen, Geschäftsmänner und Gattinnen - und gelegentlich mischen sich einige schräge Village People unter das Volk.

Schwungvolle Straßenszenen

Choreograf Mario Mariano führt das um Berliner Musical-Studenten verstärkte Ballett des Dessauer Theaters zu schwungvollen Straßenszenen und in das genormte Glück von "Ozone Heights" - und steuert Intermezzi bei, in der sich all die antiken Alphatierchen begegnen und begehren: Amor und Artemis, Ares und Athene. Aus ihrer Mitte stammt die schaumgeborene Aphrodite, die für ihr irdisches Intermezzo das römische Pseudonym Venus gewählt hat. Ute Gferer gibt der Figur die statuarische Würde der Göttin und die biegsame Hingabe der Liebenden, das weise "Speak Low" ist bei ihr so gut aufgehoben wie das schmachtende "Foolish Heart" oder das übermütige "That's Him".

Angus Wood präsentiert seinen Hatch mit treuherziger Naivität und einem eher glänzenden als stechenden Tenor, der auch im Kontrast zu Ulf Paulsens - bei "West Wind" schier unerschöpflicher - Stimmkraft als Savory überzeugt. Ein Star aber ist Ulrike Mayers Molly Grant - ein glamouröses Material Girl in "Very, very, very" und eine intelligente Spielmacherin mit ironischer Distanz. Dass man auch kleinere Rollen wie den Privatdetektiv Taxi Black (David Ameln) und seinen Assistenten Stanley (Jan-Pieter Fuhr), vor allem aber die quietschblonde Gloria (Kristina Baran) mit hauseigenen Kräften adäquat besetzen konnte, dürfte die Gäste aus New York von der Dessauer Eignung für das Broadway-Fach überzeugt haben - ebenso wie die individuell geführte Leistung des Chores (Leitung: Helmut Sonne) und die scharfe Geschmeidigkeit der sparsam besetzten Anhaltischen Philharmonie.

Dass die Verjüngung durch die Universität der Künste selbst einer "Venus" ein paar Falten glätten kann, steht außer Frage. Und wenn es jetzt im Programm oder über der Bühne noch eine Handreichung zu den englischen Songs gäbe - dann wäre das Glück wohl auch für den Nicht-Weillianer perfekt.

Nächste Vorstellungen: 13. März, 17 Uhr; 19. März, 19.30 Uhr

DPA, Mitteldeutsche Zeitung, 08.03.2010

Kurt-Weill-Fest soll behutsam verändert werden

In einem ersten Schritt wird das Festival im kommenden Jahr um eine Woche verlängert

Der neue Intendant des Kurt-Weill-Fests in Dessau-Roßlau, Michael Kaufmann, will das Festival nur behutsam verändern. «Es wäre, glaube ich, geradezu töricht, eine über viele Jahre gewachsene Publikumsstruktur zu riskieren, indem man einfach sagt, ich mache ab morgen alles anders», sagte Kaufmann am Sonntag in einem Gespräch mit der Deutschen Presse-Agentur dpa. In einem ersten Schritt werde das Festival im kommenden Jahr um eine Woche verlängert, so dass es mit drei Wochenenden attraktiver für auswärtige Gäste werde. Das zu rund 90 Prozent ausgelastete 18. Weill-Fest sollte am Sonntag nach zehn Tagen enden. Der Komponist Weill (1900-1950) war in Dessau geboren worden.

Der bisherige Musik-Manager Kaufmann will dem Festival auch zu mehr Internationalität verhelfen. Bei der Umsetzung auf der Bühne wolle er dem Fest eine noch klarere Kontur geben und das mit spezielleren Programmen verdichten. «Es ist ja schon so, dass wir uns - wenn auch in einer ganz fantastischen und programmatisch wunderbaren - aber doch Nische befinden.»

«In den kommenden drei Jahren werden wir die Lebens-Arbeits- Stationen von Kurt Weill nachzeichnen, auch um Zeitporträts zu machen», kündigte Kaufmann an. 2011 sei das Festival gedanklich in der Weill-Zeit in Berlin, 2012 in Paris und 2013 dann in New York. Es werde dabei nicht nur auf den Komponisten Weill abgezielt, sondern auf das selbstverständliche Nebeneinander von U- und E-Musik. Es werde auch um die Lebensumstände in der Weimarer Republik gehen. Im kommenden Jahr werde sich erstmals auch die Anhaltische Philharmonie beim Weill-Fest präsentieren.

Kaufmann will auch weiter Auftragsproduktionen auslösen, allerdings nicht wie beim diesjährigen Festival gleich zwei: «Wenn man erwarten würde, dass jährlich in dem Umfang neue Werke beauftragt würden, das würden wir einfach nicht schaffen.» Die beiden Uraufführungen waren «Die Wunde Heine» des Komponisten Helmut Oehring (48) und die «Bordellballade - Ein Dreigroscherlnstück» von Moritz Eggert (44). Das Motto des Festivals, das sich seiner Musik widmet, lautete in diesem Jahr «New art is true art» (Neue Kunst ist wahre Kunst). Es ist der Titel eines Liedes aus Weills erfolgreichstem Broadway-Musical «One Touch of Venus» (Eine Berührung von Venus).

Andreas Hauff, http://www.nmz.de/online/ehrlich-gescheitert-helmut-oehrings-die-wunde-heine-kurt-weill-fest-in-dessau, 03.03.2010

„New Art is true Art.“ Eigentlich gehört der Ausspruch eines exzentrischen Kunstsammlers aus Kurt Weills Musical One Touch of Venus in einen durchaus ironischen Kontext. Doch die Kurt-Weill-Gesellschaft in Dessau hat den Satz beim Wort und zum Motto des Kurt-Weill-Festes 2010 genommen. Sie vergab zwei Kompositionsaufträge für ein „Songspiel“ – also jene Miniaturform von Musiktheater, die Weill 1927 mit dem „Mahagonnny-Songspiel“ für das Neue-Musik-Festival in Baden-Baden erfand, aber danach nicht mehr weiter entwickelte – nicht zuletzt, weil er 1933 aus Deutschland fliehen musste.

Gleich zwei Komponisten nahmen die Herausforderung an: Moritz Eggert mit einer „Bordellballade“ für die Dessauer Bauhausbühne (Uraufführung am Donnerstag, den 4. März), und Helmut Oehring mit einem „Kleinen epischen Songspiel mit Interludien“ unter dem Titel „Die Wunde Heine“, das am Eröffnungstag des Festivals seine Uraufführung im Anhaltischen Theater erlebte – im Anschluss an das „Mahagonny-Songspiel“.

Oehring, der diesjährige Artist-in-Residence des Weill-Festes, ist eine faszinierende Persönlichkeit. Das Dessauer Publikum erlebte den Sohn taubstummer Eltern, der es vom Hobbygitarristen ohne Notenkenntnisse zum Meisterschüler Georg Katzers brachte, in einer lebendigen Festivalcafè-Veranstaltung. Oehring sieht sich bei allem Respekt vor dem Komponisten und dem Menschen Weill selbst in einer anderen Tradition. Seine kompositorische Entwicklung ist einerseits geprägt durch die jugendlichen Erfahrungen mit Rockmusik, andererseits durch eine Traditionslinie der Neuen Musik, die von Arnold Schönberg über Hanns Eisler zu Georg Katzer, Friedrich Goldmann und Friedrich Schenker führt.

Diese beiden Linien zeigen sich auch in „Die Wunde Heine“. Oehring hat verschiedene Gedichte von Heinrich Heine in einem Stil komponiert, der zwischen expressionistischen Linienführungen, punktuellen oder choralartig geballten Haltetönen, pulsierenden Jazzrhythmen und differenziert behandelten Sprechchören wechselt. Eindrucksvoll ist dabei vor allem das ausdrucksreiche Duett zwischen Sopranstimme (Salome Kammer) und Kontrabassklarinette geraten. Auf der anderen Seite hat Oehring, wohl auch als Antwort auf Weill, in seiner Partitur „Rocksong-Inseln“ ausgespart. An diesen Stellen singt der Rocksänger und -gitarrist Jörg Wilkendorf Lieder des 1996 verstorbenen Rocksängers Rio Reiser. Vor allem mit dem alten Ton-Steine-Scherben-Lied „Macht kaputt, was euch kaputt macht“ ließen sie den rebellischen Geist der 1970er Jahre wieder aufleben, der inzwischen ebenfalls Geschichte geworden ist. Dass sich vor der Fest-Eröffnung zahlreiche Dessauer Bürger und Kulturschaffende zu einer Demonstration gegen einen drohenden kulturellen Kahlschlag versammelten, der seinesgleichen sucht, gab dem Eröffnungsabend eine bittere Note von unerwarteter Aktualität.

Inhaltlich strotzt „Die Wunde Heine“ von Verweisen. Der Titel spielt einerseits an auf die deutschen Schwierigkeiten im Umgang mit dem 1856 im Pariser Exil verstorbenen deutsch-jüdischen Dichter und seinem Werk, andererseits auf das langsame Dahinsiechen Heines in seinen letzten Lebensjahren. Mit dem Obertitel „Offene Wunden“ für den Eröffnungsabend des Weill-Festes wird eine Parallele zur lange Zeit problematischen Weill-Rezeption gezogen. Darüber hinaus halten Oehring, der selbst als Regisseur zeichnet, und seine Textautorin und Co-Regisseurin Stefanie Wördemann den Dichter Heine nach wie vor für aktuell. Rio Reisers Songs mögen hier als Querverweise gedacht sein, textlich sind sie allerdings deutlich gröber gestrickt. Von Heines Ironie, einer wichtigen Facette seiner Dichtungen, bleibt in „Die Wunde Heine“ kaum etwas.

Sänger Wilkendorf trägt im Stück den Rollennamen Harry – in Anspielung auf Heinrich Heines ursprünglichen Vornamen. Ihm beigesellt ist die Vokalsolistin und -artistin Salome Kammer; sie steht einerseits für Heines Ehefrau Mathilde, andererseits sehen die Autoren sie als „Schwester“ des französischen Nationalsymbols Marianne. Ein Vokalquintett, verkörpert durch die Sopranistin Sylvia Nopper und die vier Herren des Atrium Ensembles, wird mit den Buchstaben H,E,I,N und E, bezeichnet. Sie stehen als „Geister“, so die Idee, „für die vielen Stimmen seines komplexen patriotischen Ichs“, agieren allerdings fast immer im Kollektiv. Die szenische Umsetzung fügt weitere Facetten hinzu. Oehring hat an etlichen Stellen parallel zum Vokalpart Gebärdensprache vorgeschrieben, der er gegenüber der Wortsprache eine tiefer gehende Unmittelbarkeit zuschreibt. Auf der Bühne fällt sie allerdings kaum ins Auge - außer an den Stellen, wo sie schemen- bis fratzenhaft verfremdet hinter einer halbtransparenten Glasplatte zu sehen ist.

Analog zu Weill und Brecht, deren Songspiel 1927 durch Projektionen des Malers und Bühnenbauers Caspar Neher kommentiert wurde, setzen auch Oehring und Wördemann auf Video-Bebilderung. Doch wo Neher mit wenigen statischen Bildern klare Akzente setzte, bringt der Maler und Graphiker Hagen Klennert zahlreiche Illustrationen, die er zum Teil verschiebt, verkleinert und vergrößert. Während er zum „Mahagonny-Songspiel“ relativ klar das Milieu einer heruntergekommen Barackenstadt zeichnet, orientiert er sich bei Oehrings Songspiel an der Biographie Heines und dem morbid-pessimistischen Unterton der ausgewählten Gedichte, verfährt dabei aber oft plakativ und überschreitet des öfteren die Kitschgrenze.

Aus all dem resultiert ein Konglomerat von Eindrücken und Assoziationen, die sich gegenseitig eher lähmen als befruchten. So gesehen, ist „Die Wunde Heine“ der ehrliche Spiegel eines dramaturgischen Scheiterns. Oehrings Heine-Vertonungen sind indessen eine Wiederbegegnung wert. Sie waren beim von Frank Ollu dirigierten Ensemble Modern in guten Händen. Nicht zu Unrecht gab es Premierenjubel für eine ausdrucksgeladene und präzise Aufführung.

Die Aufführung wird am 4. Mai von der Musik Triennale Köln und am 27. Juni von der Oper Frankfurt übernommen.

Ute van der Sanden, Mitteldeutsche Zeitung/ Dessau-Roßlau, 04.03.2010

Klanglandschaften sind Balsam für die Seele

Kurt-Weill-Fest: Die Niederländerin Iris Romen und ihre Band verwöhnen die Zuhörer

An diesen Abend werden sich die Festivalflaneure gern erinnern. Über zwei Stunden zog die Stimme der jungen Sängerin etwa 80 Zuhörer im ausverkauften Raum der Villa Krötenhof in ihren Bann. Und ließ sie auch danach nicht gleich wieder los. Iris Romen, seit einigen Jahren in Berlin lebende Niederländerin, hatte für Dessau ein durch und durch stimmiges Liedprogramm formiert. Vor der Pause sang sie Kurt Weill, konterkariert nur von Stings "An den kleinen Radioapparat" - charmante Idee. Der Text von "Nannas Lied", das erst von Hanns Eisler und dann von Kurt Weill vertont worden war, öffnete am Dienstag den melancholischen Rahmen für alles Nachfolgende: "Wo sind die Tränen von gestern Abend? Wo ist der Schnee vom vergangenen Jahr?"

Liebeslieder von persönlicher, oft schwermütiger, meist langsamer Art also, die in der Darbietung durch eine weniger bühnenerfahrene Persönlichkeit auch schnell mal langweilen könnten. Nicht so Iris Romen: Mit stets geschlossenen Augen, mit ruhiger, klarer Stimme und verletzlicher Aura breitete sie ein seelisches Verwöhnprogramm vor ihrem Publikum aus wie Geschenke auf dem Gabentisch - eines schöner als das andere. Iris Romen singt Swing und Schlager, Chanson und Jazz sowie Eigenkompositionen in einer unvergleichlich entschleunigten Weise, mit atmosphärisch dichter Ausstrahlung und schlankem, in der Höhe anmutig verhauchtem Timbre. Der niederländische Akzent der Maastrichterin tut ein Übriges. Sie ist intensiv, konzentriert, sehr bei sich, und der Applaus dauerte von Titel zu Titel länger. Ein Abend in süßem Moll, aufgelockert von Cole Porters "Begin the Beguine", Michael Jarys "Haben Sie schon mal im Dunkeln geküsst" und Caterina Valentes "Ganz Paris träumt von der Liebe", verpackt in durchweg delikate Arrangements.

Auch "Barbara Song" und "Denn wie man sich bettet", die "Ballade vom ertrunkenen Mädchen" und "Surabaya Johnny" wurden von zwei gestandenen Instrumentalisten aufregend neu eingekleidet. Wolfgang Zechlin und Thomas Büschel unterlegten Weills Musik an Klavier und E-Gitarre mit Klanglandschaften, die man so noch nicht gehört hat: vom Modern Jazz inspirierte, harmonisch ungemein interessante Improvisationen, die niemals zur Selbstdarstellung geraten und die Songs gleichwohl mit sicherer Hand den musikalischen Stilmitteln des 21. Jahrhunderts anvertrauen.

Wundern musste man sich nur, warum der hochklassige Konzertabend mit einer Sängerin, die sich als Chefin der Ballhausband von Clärchens Ballhauscafé etablierte und auch schon vor Tausenden in der Waldbühne Berlin auftrat, hier der Klubatmosphäre einer Wohnzimmerbühne anheim gestellt wurde. Wie auch immer: die Nähe zum Podium hatte durchaus ihren Reiz, die Tonanlage war exzellent eingerichtet. Sollte Iris Romen nochmals zum Kurt Weill Fest kommen, würde sie den Dessauern gewiss einen Gefallen tun - und einen größeren Raum als diesen spielend füllen.

Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 02.03.2010

Stadtpläne der klassischen Moderne

Das MDR-Sinfonieorchester sorgt für einen Höhepunkt beim Weill-Fest

Zu einem perfekten Festival gehört immer auch jenes Gefühl leichter Überforderung, das man am Sonntag wieder in Dessau zu spüren bekam. Nachdem die Besucher des Weill-Festes im Georgium eine hinreißende Matinee mit Anne Simmering und Ulrich Pakusch erlebt hatten, die den Sternsingern prompt eine erneute Einladung für das kommende Jahr eintrug, traf man sich am Nachmittag in größerem Rahmen beim Konzert des MDR-Sinfonieorchesters im Anhaltischen Theater.

Spätestens am Abend aber hatte man die Qual der Wahl - zwischen dem umjubelten Auftritt von Annamateur und der Premiere des bezaubernden Schauspieler-Liederabends "Dein wildes Herz in meine Ruh". Dreh- und Angelpunkt des Festival-Geschehens aber war an diesem Tag dann doch die erneute Begegnung mit einem Klangkörper, der zu den Stammgästen beim Weill-Fest zählt.

Es war ein ausgesprochen klug programmiertes Konzert, mit dem die MDR-Musiker unter dem federnd eleganten Dirigat von Sian Edwards den musikalischen Stadtplan der klassischen Moderne imaginierten. Da war zunächst der Paris-Gesang von Frederick Delius, der den Puls der Metropole in ein fortwährendes Beginnen und Verklingen übersetzt. Dass dieses perkussiv gebrochene und von Bläserlichtern aufgehellte Klanggemälde mit seinem romantisch angerauten Violin-Solo freilich die gleiche Kommune meinte, die danach auch in George Gershwins "Ein Amerikaner in Paris" durchwandert wurde, wollte man kaum glauben.

Man mag den Blick der Neuen auf die Alte Welt oberflächlicher finden, unbekümmerter und sportiver kommt die mit dem Treibstoff des Jazz beschleunigte Klangmaschine allemal auf Touren. Es war nicht nur ein akustisches Vergnügen, dieser Tour de Force beizuwohnen, der massive körperliche Einsatz etwa bei den tiefen Streichern riss auch optisch mit. Dass dieses Passagenwerk, in dem sich die Champs-Élysées zum Broadway öffnet, perfekt für eine Überleitung zu Kurt Weills "Neuem Orpheus" eignete, war selbstverständlich.

Denn auch in dieser Kantate beschwört der Dichter Yvan Goll den Steckbrief des antiken Sängers ja vor dem Hintergrund des Eiffelturms, was Marisol Montalvo mit ihrem schlanken, klaren Sopran im perfekten Kontrast zu Waltraud Wächters Violin-Part rekapitulierte. Über Paukengrollen und Harfenglanz marschierte das Urbild des Künstlers dabei in jene großen Städte, die hernach auch für die von Wilhelm Brückner-Rüggeberg arrangierten "Mahagonny-Suite" Pate standen - allerdings in der bewussten Pervertierung eines falschen Paradieses, die vom MDR kulinarisch serviert wurde.

Ute van der Sanden, Mitteldeutsche Zeitung, 01.03.2010

Kurt-Weill-Festival

Liederabend bezaubert Anhalt

Angelika Kirchschlager aus Österreich präsentiert ein Soloprogramm mit Schubert und Weill

Sie kam, sang und eroberte Dessau: nicht im Sturm, aber mit Weill. Für den Anfang ihres Rezitals im zu drei Vierteln ausverkauften Anhaltischen Theater hatte Angelika Kirchschlager einen Rückblick in die Frühromantik programmiert. Aus dem Fundus der rund 600 Schubert-Lieder, in dem sich die österreichische Mezzosopranistin bestens auskennen dürfte, wählte sie keineswegs die bekanntesten. "Bertas Lied in der Nacht" oder "Geheimes" zählen zum eher entlegenen Nachlass Schubert und dürften auf die Gäste als scheuer Gruß aus der Heimat der Interpretin gewirkt haben.

Auch musste man am berühmten roten Faden schon kräftig ziehen, um ihn aus dem inneren Rückzug Franz Schuberts bis ins tatsächliche Exil von Erich Korngold und Kurt Weill zu manövrieren. Nachdem die Solistin vom lyrischen ins dramatische Fach gewechselt war und mit fünf Liedern von Korngold die starken Seiten ihrer stets kunstvoll beherrschten Stimme ausbreiten konnte, brach der Bann endgültig. Nicht, dass man jede Silbe verstanden hätte - Botschaften vermittelt die Kirchschlager viel eher übers Herz als über das Wort. Als Femme fatale begeisterte sie Dessau in Titeln von Kurt Weill: "Stay well" und "One life to live" aus der Musicalsparte, zwei französische Chansons, darunter "Je ne t´aime pas", zeigten die Solistin als hinreißende Bühnendarstellerin mit großem stilistischen Feingefühl.

Zu all dem brachte Kirchschlager, die normalerweise an der Scala, der Met und der Wiener Staatsoper auftritt, ihren Lieblingspianisten mit: Helmut Deutsch ist einer der besten und angesehensten Liedbegleiter. Er ruht im Vortrag wie ein Fels in der Brandung und spürt genau, was die Sängerin braucht - ob Atemzug, rhythmische Stütze oder Spannungspause. Mit dem alten Wienerlied "Es war in Petersdorf" entzückten beide ihr Publikum am Ende eines wundervollen Abends: große Kunst, mit Schlagobers gekrönt.

Andreas Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 01.03.2010

Ganz in politischer Tradition

Beginn mit einer Verbeugung vor dem Komponisten und einem Auftragswerk von Helmut Oehring

Im Normalfall spiegelt die Kunst das Leben, im Idealfall aber geht es auch umgekehrt: Als sich am Freitag Hunderte Dessauer und Roßlauer vor dem Anhaltischen Theater versammelten, um gegen den kulturellen Kahlschlag in ihrer Stadt zu protestieren, bescherten sie kundigen Gästen der Kurt-Weill-Festeröffnung ein Déjà-vu. So ähnlich hatte es nämlich auch 1927 in Baden-Baden ausgesehen, als das Mahagonny-Songspiel uraufgeführt wurde - wenngleich die Schauspieler ihre Plakate damals eher aus spektakulärem Kalkül denn aus realer Not schwenkten.

Pfeifen von der Bühne

Lotte Lenya erinnerte sich später an den Tumult: "Brecht hatte uns vorsorglich Pfeifen mitgegeben, kleine Trillerpfeifen, und so standen wir auf der Bühne und pfiffen trotzig zurück." Dass der Dichter und sein Komponist an der demokratischen Ouvertüre Gefallen gefunden hätten, darf man also getrost annehmen, zumal sich die größere Provokation dann doch im Haus ereignete. Die Idee, das 18. Kurt-Weill-Fest unter dem Motto "New Art is True Art" zum Anlass für neue Songspiel-Aufträge zu nehmen, lässt sich kaum aus einem gattungsgeschichtlichen Notstand herleiten. Schließlich haben selbst die Erfinder diese Form nicht konsequent weiter verfolgt, was wohl auch der Einsicht in deren dramaturgische Grenzen geschuldet war. Die konzeptionellen Probleme des Mahagonny-Songspiels konnte auch die Inszenierung von Stefanie Wördemann und Helmut Oehring nicht lösen: Das Sixpack der Lieder ist eben keineswegs, wie das Programmheft behauptet, theatralisch zwingend. Es wirkt vielmehr selbst bei so prominenten Interpreten wie dem Ensemble Modern eher wie ein Flickenteppich, dem auch die Bild-Assoziationen von Hagen Klennert keinen zusätzlichen Halt geben.

Insgesamt fühlte man sich so vor allem durch das wunderbare Wiedersehen mit Salome Kammer an jene konzertante Aufführung des gleichen Werkes aus dem Jahr 2006 erinnert, die stärker auf die Phantasie des Publikums vertraute und letztlich größeren Gewinn stiftete. Dass der Komponist Oehring und seine Librettistin Wördemann ihre Lesart freilich auch als Fundament für ihr eigenes Songspiel "Die Wunde Heine" begriffen, wurde spätestens beim bruchlosen Übergang in den zweiten Teil deutlich.

Die Uraufführung war nicht nur durch die um einen Gitarristen und Live-Elektronik ergänzte Besetzung mit dem Weill-Songspiel verzahnt, sie behauptete durch die Verwendung von Heinrich Heines und Rio Reisers Texten auch eine Traditionslinie politischer Poesie.

Gutmenschen gegen Zyniker

Dass die Schmerzensmänner HH und RR dem Zynismus des Herrn BB freilich energisch widersprechen, bleibt ein ungelöstes Dilemma: Der Glaube an das Himmelreich auf Erden und an das "Wann, wenn nicht jetzt?" ist mit der Negativ-Utopie von Mahagonny nicht vereinbar. In sich aber ist Oehrings Werk absolut stimmig und korrespondiert perfekt mit Klennerts Bildsprache. Der Komponist macht das Entstehen und Vergehen von Sprache und Musik hörbar, er lässt hohle Töne und einzelne Laute tropfen und türmt schroffe Klanggebirge über weiten Flächen. Deutschland ist hier ein Hochstand im Kornfeld und wird als Zauberland von beiden Dichtern verloren gegeben. Mit Jörg Wilkendorf und Salome Kammer hat diese Collage zwei grandiose Protagonisten, denen das Männer-Quartett und die Sopranistin Sylvia Nopper kongenial zur Seite stehen.

Die eigentliche Überraschung aber ist, dass sich auch dieses Stück wie ein spontaner Kommentar zur Wirklichkeit verhält: Was hier mit Gebärdensprache akzentuiert und mit Verzerrungen überzeichnet wird, ist eine knallharte kulturpolitische Ansage. Das "Macht kaputt, was euch kaputtmacht!" hätte auch auf den Transparenten vor dem Theater stehen können. Weills Erbe ist also aktueller denn je - das gilt es in den nächsten Tagen zu feiern!

Am Mittwoch um 17 Uhr laden die Stiftung Bauhaus Dessau und die Kurt-Weill-Gesellschaft zu einer Podiumsdiskussion über die Finanzkrise der Stadt ein. Ort der Veranstaltung ist die Bauhaus-Aula.

Ilka Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 27.02.2010

Kooperationen tragen Fest-Gedanken weiter

Weill-Gesellschaft: 85 Prozent der Karten sind verkauft - 45 Veranstaltungen in zehn Tagen

Gerade noch war Helmut Oehring in der Generalprobe und nun sagt er vor den versammelten Journalisten, "es ist so, dass wir sagen können, wahrscheinlich in einer Woche eine tolle Premiere haben zu können". Weil der Vorhang sich im Anhaltischen Theater aber schon früher - genauer gesagt nur ein paar Stunden später - hebt, werde man sich entsprechend darauf einstellen und den tollen Abend eher zeigen.

Oehring, Komponist und Artist-in-Residence des 18. Kurt-Weill-Festes in Dessau, steht zwar unter Uraufführungsstress, ist aber doch zu Scherzen aufgelegt, als er am Freitag zur Eröffnungspressekonferenz des Festes verspätet eintrifft. Von ihm war am Abend zum Auftakt des zehn Tage dauernden Festes die Komposition "Die Wunde Heine" zu hören. Im Eröffnungskonzert "Offene Wunden" erklang zudem Kurt Weills "Mahagonny Songspiel", beides musiziert vom Ensemble Modern.

Vier Veranstaltungen insgesamt widmen sich dem Künstler Oehring. Schon am Samstag beim Festivalcafé wird man ihn als Mensch näher kennen lernen. Im noch folgenden Porträtkonzert und bei einer Filmaufführung zeigt sich an den kommenden Tagen die Bandbreite des kompositorischen Schaffens Oehrings. "Ich bin glücklich, so viele Seiten meiner Arbeit vorstellen zu können", so der Künstler. Für seine Uraufführung am Freitag habe er Bedingungen vorgefunden, die "nahezu paradiesisch" seien. Musiker, Solisten und Produktionsbedingungen lobte er als optimal, wenngleich wie immer die Zeit zum Einstudieren knapp gewesen sei.

Rund 45 Veranstaltungen sind es in diesem Jahr, die den Besuchern beim Weill-Fest angeboten werden. Schon im Vorfeld, so teilte am Freitag Thomas Markworth, Präsident der Weill-Gesellschaft, mit, seien 85 Prozent der Karten verkauft. "Wir sind zuversichtlich, am Ende des Festes bei 90 Prozent zu liegen", sagte er und sprach von dem "Luxusproblem", dass viele denken würden, es gäbe ohnehin keine Karten mehr. "Zwar sind 80 Prozent der Veranstaltungen, vor allem an den kleinen Orten, ausverkauft, aber es gibt noch Karten."

Festivalintendant Michael Kaufmann lobte ausdrücklich die Arbeit seines Vorgängers Clemens Birnbaum, der den aktuellen Festivaljahrgang vor seinem Wechsel zum Händelfest nach Halle noch konzipierte und plante. "Ich bin fasziniert von der Entscheidung, zwei Kompositionen in Auftrag zu geben", so Kaufmann. "Ich bin froh, dass wir bis heute all das gut umsetzen konnten, was sich Clemens Birnbaum ausgedacht hat."

Markworth und Kaufmann stellten vor allem die Vielzahl der Kooperationen in den Mittelpunkt. So sei die Eröffnungsproduktion im Sommer in Frankfurt / Main und Köln zu hören. Die zweite Uraufführung, Moritz Eggerts "Bordellballade. Ein Dreigroscherlnstück", wird mit dem Theater Koblenz und der Neuköllner Oper koproduziert. "Der Name Kurt Weill und der unserer Gesellschaft wird dadurch in die Republik getragen. So etwas kann man nur mit Partnerschaften und Kooperationen erzielen", so Kaufmann.

Mit dem Anhaltischen Theater, das in einer Woche das Musical "One Touch of Venus" zur Premiere bringt, und der Stiftung Bauhaus Dessau habe man zudem verlässliche Kooperationspartner vor Ort. "Die Zusammenarbeit mit der neuen Theaterleitung hat sich fantastisch entwickelt", so Thomas Markworth, der der Dessauer Bühne bescheinigte, das Label "Klassische Moderne" bestens zu bedienen. Der Slogan, der Theater, Bauhaus, Junkers und Weill umfasse, sei das Thema im Jahr 2013, wenn sich alle Partner darum bemühen, eine Landesausstellung zum Thema in Dessau-Roßlau auszurichten, kündigte Thomas Markworth an.

Ilka Hillger, Mitteldeutsche Zeitung/ Dessau-Roßlau, 25.02.2010

Wahrhaft kurzweiliges Wochenende

Am Freitagabend wird im Anhaltischen Theater das Kurt Weill Fest eröffnet

"Neue Kunst ist wahre Kunst" oder auch im Englischen "New Art is True Art", so lautet das Motto des Kurt Weill Festes, das am Freitagabend im Anhaltischen Theater eröffnet wird. Mit "Offene Wunden" folgt der Auftakt der 18. Festival-Auflage zu Ehren des in Dessau geborenen Komponisten Kurt Weill (1900-1950) inhaltlich ganz dem Slogan der kommenden zehn Tage mit gut 45 Veranstaltungen. Die Eröffnung beinhaltet gleichermaßen eine Uraufführung mit Helmut Oehrings Werk "Die WUNDE Heine" wie auch Kurt Weills "Mahagonny Songspiel".

Oehring greift Idee auf

Helmut Oehring, in diesem Jahr der Artist-in-Residence des Festes, greift mit seiner Neukomposition eine Idee auf, die schon Kurt Weill und Bertolt Brecht hatten, als sie ihr Songspiel schrieben, die Verschmelzung von Jazz mit Kabarettchansons und lyrischen Elementen unter Bezugnahme auf soziale und politische Tendenzen. Oehring orientierte sich an dem Vorbild aus den 1920er Jahren, indem er die Ästhetik des Weillschen Werkes mit seiner eigenen von Klassik, Jazz und Moderne beeinflussten Musiksprache verwob, er greift in seiner Arbeit die originale Vokal- und Instrumentalbesetzung von Weills Werk auf und ergänzt sie zeitgenössisch unter Hinzunahme einer Solo E-Gitarre und elektronischen Soundeffekten. Ähnlich wie bei Weill werden die Heine-Songs mit den Rocksong-Inseln verzahnt. Das Textbuch von Stefanie Wördemann basiert auf sechs "Gesängen" Heinrich Heines, die aus allen Schaffensphasen des Dichters stammen und oft von beklemmender Aktualität sind.

Mit dem Ensemble Modern, das bereits mehrfach beim Kurt Weill Fest gastierte, wird eines der weltweit führenden Ensembles für Neue Musik das Festival unter Leitung von Franck Ollu eröffnen. Mit dabei ist auch die Solistin Salome Kammer, die das Dessauer Publikum vor vier Jahren als Artist-in-Residence erleben konnte.

Das szenische Eröffnungskonzert ist dem kürzlich verstorbenen britischen Musikwissenschaftler und Weill-Experten David Drew gewidmet. Ihm ist es zu verdanken, dass sich das "Mahagonny Songspiel", das in der Baden-Badener Originalfassung nur ein weiteres Mal (1932) aufgeführt wurde und lange unveröffentlicht blieb, 1963 schließlich herausgegeben wurde und sich seitdem mit stetig wachsendem Erfolg auf den internationalen Bühnen durchsetzt.

Fischer fordert zum Tanz

Dem traditionellen Feuerwerk zur Festeröffnung um 20.30 Uhr auf dem Theatervorplatz schließen sich am ersten Abend gleich zwei Konzerte an. Jazzfans können im Theater bleiben und dort im Foyer den Auftritt des Thilo Wolf Quartetts erleben. Während dort das Publikum swingender Jazz erwartet, dürften die Töne, die im Beatclub angeschlagen werden, um einiges härter werden. In der Reihe "New Sounds" stellen sich dort beim Weill Fest "Freddy Fischer

Ilka Hillger, Mitteldeutsche Zeitung, 11.02.2010

Ein Podium für die Verwandlungen

Weill-Gesellschaft stellt das Fest-Programm in der Landesvertretung in Berlin vor

Das Kurt-Weill-Fest rührt die Werbetrommel in Berlin. Wenige Tage bevor das 18. Musikfest, das den Dessauer Komponisten in seiner Geburtsstadt ehrt, am 26. Februar eröffnet wird, luden die Veranstalter in dieser Woche traditionell in die sachsen-anhaltische Landesvertretung in der Hauptstadt ein, um dort das Programm vorzustellen. Mit Festintendant Michael Kaufmann, Theaterintendant André Bücker und Philipp Oswalt, dem Direktor der Stiftung Bauhaus Dessau, lernten die zahlreichen Besucher im Dessau-Saal gleich drei neue Akteure der Stadt kennen, die die Geschicke der drei großen Kultur-Leuchttürme leiten. Man sei freilich "weit davon entfernt, nur ein Podiumtrio zu sein", formulierte es André Bücker. Das gemeinsame Arbeiten an Programmen und Aktionen habe sich von den Köpfen der Institutionen längst bis in die Arbeitsebenen verfestigt.

Deutlich macht sich dies auch im Programm des Weill-Festes, das dessen Intendant Michael Kaufmann angesichts der Fülle von über 40 Veranstaltungen an zehn Tagen vom 26. Februar bis zum 7. März nur in Ausschnitten näher vorstellen konnte. "Mein Vorgänger Clemens Birnbaum hat dieses Fest erfunden und geplant. An mir ist es, alle Kraft darin zu setzen, es zu einem Erfolg werden zu lassen und die Weichen für die Zukunft zu stellen", sagte Kaufmann. "New Art is True Art", der Titel der 18. Fest-Auflage, inkludiert gleich zwei Uraufführungen. "Zwei Kompositionsaufträge zu vergeben, ist für ein so kleines Festival wie das unsrige sehr bedeutend und zeugt von Mut zum Risiko", so Kaufmann.

Die bereits ausverkaufte Uraufführung von Moritz Eggerts "Bordellballade. Ein Dreigroscherlnstück" im Bauhaus und die gut gebuchte Fest-Eröffnung mit Helmut Oehrings "Die WUNDE Heine" gespielt vom Ensemble Modern seien indes Beweis, dafür, dass die "fantastische Entscheidung bei der Programmplanung richtig getroffen wurde". Da sich beide Komponisten auf Weills "Mahagony Songspiel" beziehen, würden sich spannenden Lesarten ergeben. Den szenischen Höhepunkt des Weill-Festes verortete Michael Kaufmann im zweiten Fest-Wochenende mit der Premiere von "One Touch of Venus" am Anhaltischen Theater.

Das Konzert des MDR-Sinfonieorchesters sei zudem von Clemens Birnbaum als inoffizielle Ouvertüre zur Internationalen Bauausstellung 2010 gedacht, die ab April in Dessau beginnt. Damit kamen auch die Kooperationspartner des Festes ins Boot, die zur Podiumsrunde gehörten. "Diese Zusammenarbeit ist für uns schiere Notwendigkeit", erklärte Michael Kaufmann. Kooperation hätte das Fest gewissermaßen im Geburtsgen verankert. Die Aktion "Jetzt wird gedessauert!" kam zur Sprache und der langwierige Prozess, auch die Bevölkerung vom Sinn derartiger Zusammenschlüsse zu überzeugen. Außerhalb Dessaus wird auf solche Initiativen freilich mit großem Wohlwollen geblickt. "Was hier passiert, war lange überfällig", sagte in Berlin Patricia Werner, die als stellvertretende Geschäftsführerin der Ostdeutschen Sparkassenstiftung die weibliche Seite und gleichermaßen die der Förderer vertrat. "Verwandlungen sind ein Thema, das uns interessiert, und genau dies passiert gerade in Dessau. Unser Geld kann für sich nichts bewirken, erst wenn es auf Partner trifft, die es verwandeln, passiert etwas", so Werner. Sie ließ - ohne konkret zu werden - verlauten, dass bereits Gespräche über künftige Projekte laufen, die die Sparkassenstiftung unterstützen will.

Junge Künstler

Mitteldeutsche Zeitung Dessau 10.02.10

HALLE/MZ. Mit der Unterstützung der Ostdeutschen Sparkassenstiftung bietet das Weill-Fest auch dem künstlerischen Nachwuchs wieder eine Bühne setzt die Kooperation mit der Universität der Künste (UdK). Absolventen des Studiengangs Musical / Show der UdK zeigen am zweiten Festivalwochenende den Liederzyklus des Broadway-Erfolgskomponisten Jason Robert Brown "Songs for a New World" in Dessau. Im Atelier des Feininger Hauses werden zwei Absolventen der Hamburger Stage School einen satirisch-humoristischen Abend gestalten.

Man singt, um etwas zu sagen

Die Österreicherin Angelika Kirchschlager ist weltweit eine der gefragtesten Opernsängerinnen - Jetzt kommt sie nach Dessau

VON ANDREAS HILLGER, 10.02.10

DESSAU-ROSSLAU/MZ. Eigentlich, sagt Angelika Kirchschlager, sei sie ja eine verkappte Schauspielerin - mit der kleinen Besonderheit, dass sie eben auch noch singen könne. Diese Selbstbeschreibung ist in ihrem Understatement natürlich kaum zu überbieten, aber sie erklärt im Kern dann doch das Geheimnis des Erfolgs. Denn die gebürtige Salzburgerin gilt ja eben darum als eine der weltweit gefragtesten Mezzosopranistinnen, weil sie ihre Partien nicht nur singt, sondern sie mit ihrer ganzen Persönlichkeit lebt und beseelt. Und deshalb darf man auch einen besonderen Höhepunkt erwarten, wenn sie am 27. Februar einen Liederabend beim Kurt-Weill-Fest im Anhaltischen Theater gestaltet. Bei der Zusammenstellung ihrer Recital-Programme setze sie gern auf "unorthodoxe Gruppen", erklärt die Sängerin am Rande einer Masterclass in ihrer Geburtsstadt, die sie zwischen Konzerten im New Yorker Lincoln Center und in der Londoner Wigmore Hall leitet. Gerade hat sie an der Metropolitan Opera den Hänsel in Humperdincks Märchenoper gesungen, demnächst steht sie als Graf Orlofsky in der "Fledermaus" auf der Bühne der Bayerischen Staatsoper - und dann folgt Dessau, wo sie Weill in Kontrast zu Erich Wolfgang Korngold und von Franz Schubert setzen will. "Ich sortiere nicht nach Jahreszahlen", sagt Angelika Kirchschlager, "und ich singe nichts, was mir nicht gefällt". Im konkreten Fall heißt das, dass sie Linien der Tradition und der Atmosphäre nachzeichnet - die Wiener Prägung bei Korngold und Schubert auf der einen, das New Yorker Exil bei Weill und Korngold auf der anderen Seite. "Wie ein Fisch im Wasser" fühle sie sich in diesen Liedern, die ja immer auch Mini-Dramen seien - also die optimale Aufgabe für eine singende Darstellerin, die stets "so nahe am Text wie möglich" operiert. Mit dieser Einstellung hat sie sich ein Repertoire erarbeitet, das vom Sesto in Händels "Giulio Cesare" über Debussys Melisande, Bizets Carmen und den "Rosenkavalier"-Octavian bis zur Titelpartie in der Uraufführung von Nicolas Maws Oper "Sophie's Choice" reicht. Eine besondere Rolle im Katalog der charmanten Allround-Spezialistin nimmt - wie könnte es anders sein? - ihr Landsmann Mozart ein, dem sie Parade-Partien wie die Dorabella in "Cosi fan tutte" und den Idamante im "Idomeneo" verdankt. Als Cherubino in seiner "Le Nozze di Figaro" debütierte die junge Absolventin 1993 in der Wiener Staatsoper. Es war ihr erstes Engagement - und seither ging es permanent bergauf, was sich für die 2007 zur Kammersängerin ernannte Künstlerin nicht zuletzt in drei Echo Klassik Awards und einem Grammy zeigt. Auch Kurt Weill hat sich Angelika Kirchschlager im übrigen schon mehrfach genähert: als Spelunkenjenny in einer konzertanten Aufführung der "Dreigroschenoper" ebenso wie als Anna in den "Sieben Todsünden", die sie demnächst auch auf einer Tournee durch Portugal und Spanien singen wird. Gearbeitet hat sie dabei mit so renommierten Dirigenten wie HK Gruber und Simon Rattle, deren analytische Lesart ihrem eigenen Interpretations-Ansatz entgegenkam. Dass es freilich Sänger braucht, um solchen Partien gerecht zu werden, steht für sie außer Zweifel: Immerhin sei ein Stück wie die "Sieben Todsünden" doch zu groß instrumentiert, um es einer Schauspieler-Stimme anzuvertrauen. Auf der anderen Seite - also im Orchester - hat auch Angelika Kirchschlagers Karriere einst begonnen. Sie studierte zunächst Schlagzeug und Klavier, ehe sie bei Walter Berry in Wien ihre Stimme schulen ließ. Dass sie an ihrer einstigen Ausbildungsstätte - dem Salzburger Mozarteum - inzwischen selbst als Professorin unterrichtet, schließt einen Kreis - und reicht ihr künstlerisches Credo an die nächste Generation weiter: "Man singt, um etwas zu sagen". Ein anderer Kreis hat sich gerade erst geöffnet, weil der Dessauer Festival-Direktor Clemens Birnbaum inzwischen Intendant der Händel-Festspiele in Halle geworden ist. Wäre es denkbar, dass Angelika Kirchschlager angesichts ihrer hoch gelobten CD mit Arien des Barockmeisters noch einmal nach Sachsen-Anhalt zurückkehrt? "Ich habe mir vorgenommen, keine Partie mehr zu singen, die länger als drei Stunden dauert", sagt sie. Aber generell auszuschließen wäre ein Konzert nicht: "Der Swing bei Händel", sagt Angelika Kirchschlager, "kommt mir sehr entgegen."

Konzert in Dessau am 27. Februar, 19.30 Uhr, Anhaltisches Theater.

Die MZ verlost drei mal zwei Freikarten, Interessenten schreiben bis 12. Februar an: Mitteldeutsche Zeitung, 06075 Halle / Saale, Ressort Kultur, Stichwort: Angelika Kirchschlager